MUSEO DI STORIA NATURALE A VIENNA

    Il Naturhistorisches Museum di Vienna, inaugurato nel 1889, è uno dei più grandi e prestigiosi musei di storia naturale al mondo. Situato nel Maria-Theresien-Platz, fu progettato dagli architetti Gottfried Semper e Karl von Hasenauer come parte del Kaiserforum. Le sue origini risalgono al 1750, quando l’imperatore Francesco I acquistò una vasta collezione di naturalia, comprendente conchiglie, coralli, minerali e gemme rare. Nel tempo, la collezione crebbe tanto da richiedere una nuova sede, culminando nella costruzione dell’attuale edificio. Dopo la fine della monarchia nel 1918, il museo divenne proprietà statale e nel 1920 fu posto sotto la supervisione del Ministero dell’Istruzione. Durante il periodo nazista, il museo ricevette oggetti provenienti da proprietà ebraiche confiscate, e solo negli anni ’90 si avviò un processo sistematico di restituzione. Fino al 1996 esisteva una controversa sala dedicata alle razze umane, poi chiusa e sostituita nel 2013 da una nuova esposizione antropologica. 

    Dal 2003 il museo è una istituzione scientifica autonoma di diritto pubblico. Oggi accoglie oltre un milione di visitatori l’anno e conserva circa 30 milioni di oggetti. L’edificio, in stile neorinascimentale, è decorato con statue e simboli che celebrano la conoscenza scientifica e la natura. Tra le sezioni principali vi sono antropologia, botanica, geologia, paleontologia, mineralogia, ecologia, preistoria e zoologia, suddivisa in tre dipartimenti. La collezione di meteoriti è la più antica e tra le più grandi al mondo. Di particolare rilievo è il bouquet di gemme donato da Maria Teresa al marito, composto da oltre 2000 pietre preziose. La sezione preistorica ospita la celebre Venere di Willendorf e reperti provenienti dal sito di Hallstatt. Il museo promuove anche progetti di citizen science e attività educative, come l’eco-cargo bike Ida 001 per sensibilizzare sulle tematiche ambientali.

POLITTICO DELL'AGNELLO MISTICO DI JAN VAN EYCK (1426-1432)

 

    Il polittico noto come L’adorazione dell’Agnello Mistico, realizzato nel 1432 e conservato nella cattedrale di San Bavone a Gand, è un’opera dei fratelli Hubert e Jan van Eyck, commissionata dal mercante Joos Vijd e dalla moglie Elisabeth Borluut per la loro cappella privata. È composto da ventiquattro pannelli dipinti a olio su tavola di rovere, organizzati in una visione aperta e una chiusa. Aperto, mostra nella parte superiore Cristo affiancato dalla Vergine e da Giovanni Battista, circondati da angeli musicanti e cantori, con le figure di Adamo ed Eva ai lati. Nella parte inferiore è rappresentata la scena centrale dell’adorazione dell’Agnello di Dio, posta in un paesaggio simbolico con gruppi di santi, profeti e patriarchi che convergono verso l’altare, mentre lo Spirito Santo domina dall’alto. A pannelli chiusi compaiono l’Annunciazione, i ritratti dei donatori e due santi in grisaille. L’opera fu iniziata da Hubert, morto nel 1426, e completata da Jan, come indicato da un’iscrizione scoperta nel XIX secolo. 

    Nel corso dei secoli subì numerosi spostamenti, restauri e danneggiamenti: fu smontata durante le rivolte iconoclaste del 1566, requisita dai francesi nel 1794, venduta in parte a collezionisti privati nel XIX secolo, trasferita in Germania durante entrambe le guerre mondiali e infine restituita al Belgio. Il pannello dei Giudici Giusti fu rubato nel 1934 e mai recuperato; oggi è sostituito da una copia realizzata da Jef Vanderveken nel 1945. L’opera è considerata un capolavoro dei primitivi fiamminghi per l’uso innovativo della tecnica a olio, la precisione naturalistica, la resa della luce e il complesso simbolismo teologico basato sull’Apocalisse. Numerosi studi scientifici e restauri, tra cui quelli del 1950 e del 2010, hanno analizzato pigmenti, stratigrafie e condizioni conservative. Il polittico ha influenzato profondamente la pittura europea del XV secolo, ispirando artisti fiamminghi, tedeschi e catalani, e presenta affinità compositive con opere come La Fonte della Grazia. La struttura iconografica, ricca di iscrizioni latine e riferimenti biblici, riflette la cultura religiosa e il contesto sociale della borghesia fiamminga del Quattrocento, legata al mecenatismo privato e alla devozione domestica.

WILLIAM WHITAKER (1943-2018)

 

    William Whitaker nacque nel 1943 a Chicago, Illinois, figlio unico di un padre artista che gli trasmise fin dall’infanzia le basi della pittura, insegnandogli il disegno della figura, la miscelazione dei colori e i principi della composizione. Ebbe accesso ai migliori materiali artistici e già a sei anni dipingeva ad acquerello e a olio. Le sue prime memorie erano legate all’ambiente dello studio paterno, con odori e atmosfere che lo segnarono profondamente. Durante la giovinezza si trovò immerso nel clima dell’espressionismo astratto, ma la sua naturale inclinazione verso il disegno accurato e il realismo tradizionale lo portò a un conflitto interiore fino agli anni universitari. A diciassette anni iniziò una formazione accademica rigorosa sotto la guida del ritrattista Alvin Gittins presso l’Università dello Utah, ricevendo un insegnamento sistematico sul disegno e sulla pittura di figura. Dopo aver sperimentato altri stili, scelse definitivamente la via del realismo classico. La sua carriera si consolidò con l’insegnamento: fu docente alla Brigham Young University per dodici anni, dove trasmise agli studenti l’importanza di una solida tecnica prima dello sviluppo di uno stile personale. 

    La sua produzione artistica si concentrò soprattutto sul ritratto e sulla figura femminile, con una tecnica riconosciuta per precisione e raffinatezza, che lo rese uno dei protagonisti della rinascita della pittura rappresentativa negli Stati Uniti. Le sue opere furono esposte in numerose mostre e apprezzate per la capacità di unire rigore accademico e sensibilità estetica. Whitaker visse e lavorò in un periodo in cui il realismo tornava ad avere un ruolo centrale nel panorama artistico, e la sua opera contribuì a rafforzarne la diffusione. La sua carriera fu segnata anche da commissioni private e da un’attività costante di produzione, con quadri che entrarono in collezioni pubbliche e private. Morì nel 2018, lasciando un corpus di lavori che testimoniano la sua dedizione alla pittura figurativa e alla tradizione accademica, con un’eredità che continua a essere riconosciuta nel campo dell’arte contemporanea.

LENG JUN (1963)

 

    Leng Jun, nato nel 1963 a Sichuan, è un pittore cinese celebre per la sua tecnica iperrealista. Dopo gli studi al Teachers College di Hankou, Wuhan, dove si diplomò nel 1984 nel Dipartimento di Arti, iniziò un percorso che lo portò a diventare una delle figure di riferimento della pittura contemporanea cinese. È leader della Wuhan Painting Academy e presidente della Wuhan Artists Association. La sua produzione si concentra sulla pittura a olio, con particolare attenzione ai ritratti femminili, nei quali ogni dettaglio, dalla pelle ai capelli fino alle fibre dei tessuti, è riprodotto con estrema precisione. Una delle opere più celebri è la “Mona Lisa” del 2004, considerata un punto di svolta nella sua fase iperrealista. Nel 2012 è stata pubblicata la raccolta “Leng Jun’s Oil Painting Collection: Limitation and Freedom” e nel 2018 ha ricevuto un dottorato honoris causa dalla Birmingham City University. La sua tecnica si basa sull’osservazione diretta e sull’uso di strati pittorici sottili che consentono di ottenere effetti ottici simili alla fotografia, senza ricorrere a disegni preparatori. Le sue opere sono state esposte in Cina e all’estero e hanno raggiunto risultati significativi nelle aste internazionali, consolidando il suo ruolo nel mercato dell’arte contemporanea. La sua ricerca estetica si fonda sulla resa della luce, della texture e dei colori, con un approccio che unisce rigore tecnico e sensibilità visiva. 

    È considerato uno dei principali esponenti dell’iperrealismo cinese del XXI secolo, con un corpus coerente che documenta l’evoluzione dalla formazione a Wuhan fino alla maturità artistica. La sua carriera è segnata da incarichi istituzionali, riconoscimenti accademici e diffusione globale delle sue opere, che testimoniano la capacità di trasformare la pittura in un mezzo di rappresentazione estrema della realtà. Leng Jun vive e lavora a Pechino, continua a produrre ritratti e nature morte con la stessa attenzione al dettaglio e alla precisione ottica, e le sue opere sono presenti in collezioni pubbliche e private, oltre che in cataloghi e piattaforme di mercato dell’arte. La sua metodologia privilegia un’osservazione ravvicinata del soggetto e dei materiali, con lo scopo di ottenere vitalità, affidabilità e ricchezza cromatica, e un effetto visivo complessivo calibrato su precisione e naturalezza. La sua pratica è caratterizzata anche dall’attenzione alla qualità della luce e alla tessitura superficiale, elementi che veicolano l’illusione percettiva e sostengono la struttura iperrealista.

JOYCE BALLANTYNE (1918-2006)

 

    Joyce Ballantyne, nata il 4 aprile 1918 a Norfolk, Nebraska, e morta il 15 maggio 2006 a Ocala, Florida, fu pittrice e illustratrice specializzata in pin-up e immagini pubblicitarie, nota per la “Coppertone girl”, la bambina il cui costume da bagno viene tirato giù da un cagnolino, ideata per le campagne del marchio di abbronzanti e divenuta icona della pubblicità statunitense. Crebbe a Omaha, frequentò per due anni l’Università del Nebraska e si trasferì a Chicago per studiare arte commerciale alla School of the Art Institute of Chicago e all’American Academy of Art. Dopo due anni all’Art Institute entrò nei Kling Studios, dove realizzò carte geografiche per Rand McNally e illustrò libri per Cameo Press; successivamente passò alla Stevens-Gross Studio, in cui rimase per oltre un decennio, lavorando in un gruppo di illustratori che includeva Gil Elvgren, Al Moore e Al Buell. Nel 1945 iniziò a dipingere pin-up per Brown & Bigelow su raccomandazione di Elvgren, producendo immagini per calendari e incarichi editoriali; negli anni la sua attività si estese ai ritratti di celebrità e a campagne pubblicitarie per marchi di largo consumo, con lavori realizzati e diffusi tra Illinois e Florida. 

    La sua produzione comprende opere commerciali e quadri figurativi, con risultati d’asta documentati e un corpus che include esempi di advertising, come illustrazioni per Coca-Cola, e pin-up degli anni Cinquanta e Sessanta, oltre a nudi e ritratti. La carriera si sviluppò in ambito di studio professionale e committente aziendale, con una formazione sistematica nelle scuole d’arte di Chicago e una pratica assidua all’interno di studi che servivano l’editoria, la cartografia e la pubblicità; il riconoscimento nazionale derivò sia dalla diffusione delle sue immagini nei calendari Brown & Bigelow sia dalla grande visibilità delle campagne come quella di Coppertone. La sua firma è riportata con varianti anagrafiche come Joyce Elaine (Brand) Ballantyne, e le fonti biografiche indicano attività e residenza tra Illinois e Florida, con un profilo identificato nell’illustrazione pin-up e nella ritrattistica. L’insieme dei dati biografici e professionali colloca la sua opera nel contesto dell’illustrazione americana di metà Novecento, caratterizzata da studi privati, collaborazioni tra artisti, committenze pubblicitarie e circuiti di riproduzione commerciale su larga scala.

ROBERTO FERRI (1978)

 

    Roberto Ferri nasce a Taranto il 20 febbraio 1978. Nel 1996 consegue il diploma presso il Liceo artistico “Lisippo” della sua città e inizia a studiare pittura come autodidatta, dedicandosi alla ricerca sulla tradizione pittorica antica dal Cinquecento all’Ottocento. Nel 1999 si trasferisce a Roma, dove approfondisce lo studio della pittura caravaggesca e accademica, con particolare attenzione a Jacques-Louis David, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Girodet, Géricault, Gleyre e Bouguereau. Nel 2006 si laurea con 110 e lode in scenografia presso l’Accademia di Belle Arti di Roma. La sua prima mostra personale si tiene nel 2003 al Centro d’arte contemporanea Luigi Montani di Genzano di Roma, seguita nello stesso anno da “La luce del corpo” alla galleria Il Labirinto di Roma. Nel 2006 espone alla galleria Il Cortile e nello stesso anno la galleria Anarte di Sant’Antonio, Texas, organizza una sua mostra di disegni. Nel 2010 partecipa alla Biennale di Roma e nel 2011 espone alla galleria Bonelli di Milano. Nel 2012 presenta opere alla mostra “Il corpo e l’anima” a Palazzo Cini di Venezia e nello stesso anno partecipa alla Biennale di Firenze. Nel 2013 espone a Palazzo Chigi di Ariccia e nel 2014 partecipa alla mostra “Il mito, il sacro, il reale” a Palazzo Reale di Milano. 

    Nel 2015 espone a Londra con la galleria Hay Hill e nel 2016 partecipa alla mostra “Caravaggio e i caravaggeschi” a Palazzo Braschi di Roma. Nel 2019 espone ad Art Miami con Liquid Art System il dipinto “Lacrima notturna” e nello stesso anno presenta la personale “Una cosa bella è una gioia per sempre” a Castellabate, in occasione del Premio Pio Alferano curato da Vittorio Sgarbi. Nel 2020 collabora con la regista Kaouther Ben Hania per il film “The Man Who Sold His Skin” con Monica Bellucci, in cui compaiono suoi quadri. Nel 2023 espone tre dipinti in dialogo con Caravaggio e i caravaggisti nella mostra “Caravaggio e il suo tempo – Tra naturalismo e classicismo” al Castello Svevo di Mesagne. Nel 2025 alcune sue opere sono presenti nella serie Netflix “Il Gattopardo” diretta da Tom Shankland, Giuseppe Capotondi e Laura Lucchetti. La sua produzione pittorica è caratterizzata da influenze caravaggesche, neoclassiche e preraffaellite, con elementi di iperrealismo fotografico e riferimenti all’Ottocento onirico, e si ispira a visioni notturne, miti antichi e simboli religiosi, con un linguaggio figurativo che unisce tecnica classica e tematiche contemporanee.

GEORGY KURASOV (1958)

 

    Georgy Kurasov nacque nel 1958 a Leningrado, allora parte dell’Unione Sovietica, oggi San Pietroburgo, Russia. Nel 1970, a dodici anni, fu ammesso alla prestigiosa Scuola d’Arte di San Pietroburgo per bambini dotati, affiliata all’Accademia Russa di Belle Arti, dove ricevette una formazione rigorosa in disegno accademico e anatomia umana, completando parallelamente gli studi scolastici. Nel 1976 si diplomò con il massimo dei voti e nello stesso anno fu ammesso all’Accademia di Belle Arti di San Pietroburgo per studiare scultura, risultando il più giovane tra i suoi compagni di corso. Durante gli anni accademici si specializzò nella scultura monumentale, acquisendo una profonda conoscenza della forma e della struttura corporea. Nel 1984 conseguì la laurea e iniziò a lavorare come scultore professionista, realizzando opere monumentali e partecipando a progetti pubblici. Negli anni successivi si avvicinò alla pittura, sviluppando uno stile personale che univa la formazione scultorea alla sperimentazione cromatica. Nonostante i suoi insegnanti avessero inizialmente ritenuto che non avesse talento per il colore, Kurasov elaborò un linguaggio pittorico originale basato su geometrie, segmentazioni e prospettive multiple, con evidenti influenze cubiste. 

    Le sue composizioni si caratterizzano per figure femminili stilizzate, corpi frammentati e colori vivaci, con un forte senso di movimento e dinamismo. Negli anni Novanta iniziò a esporre le sue opere in gallerie internazionali, ottenendo riconoscimento in Europa e negli Stati Uniti. La sua carriera lo portò a collaborare con gallerie come la Roger Yost Gallery e a essere rappresentato in collezioni private e pubbliche. Le sue opere sono state pubblicate in cataloghi e riviste d’arte, e hanno attirato l’attenzione per la fusione tra scultura e pittura, con un approccio che lo colloca tra i principali interpreti contemporanei del cubismo. Kurasov ha continuato a vivere e lavorare a San Pietroburgo, mantenendo una produzione costante di dipinti a olio. La sua arte è stata descritta come un ponte tra tradizione e modernità, con radici nella formazione accademica russa e uno sviluppo che lo ha reso noto a livello internazionale.

JEAN CLAUDE DESPLANQUES (1936-2025)

 

Jean Claude Desplanques nacque in Normandia nel 1936 e mostrò fin dall’età di otto anni una forte inclinazione per il disegno, cui dedicò gran parte del suo tempo libero. Dopo gli studi, si formò presso l’École des Beaux Arts, dove consolidò le basi tecniche e artistiche che avrebbero caratterizzato la sua carriera. A partire dal 1960 si dedicò completamente alla pittura, sviluppando un linguaggio personale che lo rese riconoscibile nel panorama artistico francese e internazionale. La sua produzione si colloca nell’ambito del surrealismo, con un universo pittorico popolato da creature mitiche, figure enigmatiche e personaggi sublimi, immersi in atmosfere teatrali e oniriche. Le sue opere evocano allegorie dei sensi e trasmettono un senso di grazia, bellezza e mistero, con una costante attenzione alla dimensione fantastica e simbolica. Nel corso della sua carriera partecipò a numerosi saloni e esposizioni, ottenendo diversi riconoscimenti: il Prix «Le Provençal» al Salon International de Nîmes, il Grand Prix de la critique al Salon des Indépendants de Basse-Normandie, il primo premio al Salon Paul Ricard di Caen, il Grand Prix al Salon d’été des Indépendants di Bayeux, il primo premio al secondo Salon «Paul Ricard», il Grand Prix al Salon Ouistreham Riva Bella, una mostra personale al Salon Municipal di Ouistreham R.B., il Prix International al Salon d’été di Deauville, il Prix «Normandie Provence» e il Grand Prix al Salon des Léopards presso il Casino di Trouville. 

    Tra i titoli delle sue opere si ricordano Insolite, Les Clones, L’Illusionniste, L’Enfant de la Balle, Mise en Scène, Le Masque, Fruits de la Passion, Le Fauconnier, Zen Attitude, Guitare Solo, L’Oiseau Libre, La Souris Son Chat, Bouquet d’Arbres, L’Oiseau aux Fruits, Double Face, L’Indiscrète, Cabaret, Visage, Mouvement d’Elle, Parfum d’Opium, Relaxation ed Éclosion. La sua attività si è protratta per oltre cinquant’anni, con una costante ricerca di armonia e teatralità, e con una produzione che ha contribuito a definire un immaginario pittorico ricco di suggestioni e riferimenti mitologici. La sua opera è stata esposta in gallerie francesi, come la Galerie Neel di Cannes, e ha trovato spazio in contesti internazionali, consolidando la sua reputazione come artista surrealista di rilievo. La sua morte, avvenuta il 2 luglio 2025, ha segnato la conclusione di una lunga carriera dedicata alla pittura e alla creazione di un universo artistico unico.

WILLIAM ADOLPHE BUGUEREAU (1825-1905)

 

    William Adolphe Bouguereau nacque a La Rochelle nel 1825 ed è considerato uno dei principali rappresentanti della pittura accademica francese del XIX secolo. Si formò all’École des Beaux-Arts di Parigi, distinguendosi precocemente per il rigore del disegno e la padronanza tecnica, qualità che gli valsero nel 1850 il prestigioso Prix de Rome. Il soggiorno romano ebbe un ruolo decisivo nella sua maturazione artistica, consolidando il suo legame con la tradizione classica e rinascimentale, visibile nella precisione anatomica, nell’equilibrio compositivo e nella resa ideale delle figure. Bouguereau sviluppò uno stile estremamente levigato, caratterizzato da superfici pittoriche prive di tracce evidenti di pennellata e da una raffinata modulazione della luce e del colore. 

    I suoi soggetti prediletti furono scene mitologiche, allegoriche e religiose, accanto a rappresentazioni idealizzate della vita rurale, spesso incentrate su figure femminili e infantili. Nel corso della sua carriera godette di un successo straordinario, esponendo regolarmente al Salon e ricevendo numerosi riconoscimenti ufficiali, tra cui la Legion d’Onore e l’elezione all’Académie des Beaux-Arts. Svolse anche un’intensa attività didattica, influenzando molti pittori francesi e stranieri. Con l’affermarsi dell’Impressionismo e delle avanguardie, la sua pittura fu progressivamente considerata superata e cadde in una lunga fase di oblio. Morì nel 1905, ma nel corso del Novecento la sua opera è stata rivalutata, soprattutto per l’eccezionale virtuosismo tecnico e per il ruolo centrale che ebbe nella pittura ufficiale della Francia ottocentesca.

TAMARA DE LEMPICKA (1898-1980)

 

Tamara de Lempicka nacque a Varsavia nel 1898 e crebbe tra Polonia, Svizzera e Russia. Nel 1916 sposò l’avvocato Tadeusz Lempicki a San Pietroburgo; dopo la Rivoluzione russa la coppia fuggì e nel 1918 si stabilì a Parigi. Per mantenersi iniziò a dipingere su commissione, studiò con Maurice Denis e André Lhote e aprì uno studio a Montparnasse. Affinò un linguaggio basato su contorni precisi, modellato geometrico e velature che rendono la pelle e i tessuti lucidi, diventando una delle interpreti più note dell’Art Déco. Negli anni Venti espose al Salon d’Automne e al Salon des Indépendants e lavorò per una clientela internazionale, ritraendo aristocratici, industriali e protagonisti della mondanità, oltre a nudi e nature morte. 

    Tra i soggetti ricorrenti figurano la figlia Kizette e figure femminili idealizzate; opere come La bella Rafaela (1927) e diversi ritratti a figura intera consolidarono la sua fama. Nel 1928 divorziò da Lempicki; nel 1933 sposò il barone Raoul Kuffner. Nel 1929 dipinse l’Autoritratto in Bugatti verde, immagine simbolo della modernità, pubblicata su una rivista di moda tedesca. Negli anni Trenta realizzò anche composizioni di soggetto religioso e opere dal tono più severo. Alla vigilia della Seconda guerra mondiale si trasferì negli Stati Uniti, vivendo tra New York e California, poi a Houston, continuando a dipingere e a presentare lavori in mostre personali. Dagli anni Settanta il suo catalogo fu rivalutato dal mercato e da retrospettive, con nuove acquisizioni museali. Morì nel 1980 a Cuernavaca, in Messico; secondo la sua volontà le ceneri furono disperse sul vulcano Popocatépetl.

GALILEO CHINI (1873-1956)

 

    Galileo Chini nacque a Firenze il 2 dicembre 1873 e si formò all’Accademia di Belle Arti, muovendosi tra pittura, ceramica, vetrate e grande decorazione in pieno clima Liberty. Tra 1896 e 1897 fu tra i fondatori della manifattura L’Arte della Ceramica, di cui guidò la direzione artistica, producendo maioliche, pannelli e oggetti con motivi floreali e simbolisti; in seguito l’attività si trasferì a Fontebuoni. Dopo l’uscita dalla manifattura, avviò nel Mugello le Fornaci di San Lorenzo, laboratorio capace di unire ceramiche, vetri, arredi e progetti d’interni. Nei primi decenni del Novecento lavorò intensamente per complessi termali toscani, soprattutto a Montecatini Terme, dove realizzò decorazioni, vetrate, lucernari e rivestimenti per vari edifici, e per Salsomaggiore Terme, con interventi legati alle Terme Berzieri. 

    Tra 1911 e 1913 soggiornò a Bangkok per decorare gli interni della Sala del Trono Ananta Samakhom, esperienza che rafforzò il suo repertorio orientaleggiante. Continuò a esporre e a lavorare come decoratore e pittore; negli anni Venti progettò anche scenografie per l’opera Turandot di Giacomo Puccini, sviluppate tra 1924 e 1926. Morì a Firenze il 23 agosto 1956. A Borgo San Lorenzo, nella villa Pecori Giraldi, un museo dedicato alla famiglia Chini documenta il suo percorso e quello delle manifatture legate al suo nome. Nel 1898 la giovane manifattura ottenne una medaglia d’oro alla Prima Esposizione d’Arte Decorativa di Torino. Partecipò più volte alla Biennale di Venezia e realizzò cicli murali e pannelli ceramici pensati come opere “totali”, in cui architettura e decorazione dovevano integrarsi.

GIOVANNI BOLDINI (1842-1931)

 

    Giovanni Boldini nacque a Ferrara il 31 dicembre 1842; il padre Antonio, pittore, lo avviò presto al disegno. Nel 1862 si trasferì a Firenze, studiò all’Accademia di Belle Arti con Stefano Ussi ed Enrico Pollastrini e frequentò il Caffè Michelangiolo, ambiente dei Macchiaioli, dove consolidò l’attenzione per luce, movimento e osservazione dal vero. Dopo esperienze e viaggi tra Italia e Inghilterra, nel 1871 si stabilì a Parigi, entrando nel circuito del mercante Adolphe Goupil: inizialmente dipinse scene di genere e vedute, poi si concentrò sul ritratto, diventando uno dei pittori più richiesti della società internazionale della Belle Époque. Il suo stile univa resa psicologica, eleganza mondana e pennellata rapida e allungata che suggeriva gesto e fruscio degli abiti. 

    Nel suo atelier posarono aristocratici, collezionisti, artisti e celebrità; tra i ritratti più noti figurano quelli di donna Franca Florio, della marchesa Luisa Casati e di Consuelo Vanderbilt. Viaggiò spesso, nel 1897 espose anche a New York; fu invitato più volte alla Biennale di Venezia e nel 1919 ricevette la Legion d’onore. Dal 1917 ebbe un grave calo della vista e ridusse l’attività. Nel 1929 sposò la giornalista Emilia Cardona. Morì a Parigi l’11 gennaio 1931 e fu sepolto alla Certosa di Ferrara; a Palazzo Massari il Museo Giovanni Boldini conserva dipinti, opere su carta e materiali provenienti dalla sua casa-atelier parigina. A Parigi usò molto anche pastelli e disegni per studiare pose e gesti, e visse al boulevard Berthier, da cui provengono arredi e documenti oggi conservati a Ferrara.

STORIA DEL MANIFESTO: ABRADOR DI TORINO

 

    La ditta Abrador fu un marchio di saponi prodotto dalle Saponerie Fratelli De Bernardi, attive a Torino nel quartiere Lingotto, registrato presso la Camera di Commercio di Torino nel 1925 circa. La famiglia De Bernardi, già presente nel settore chimico e della saponificazione, avviò la produzione industriale di saponi da toeletta e da bucato in un periodo di forte espansione della chimica applicata alle industrie domestiche. Il marchio Abrador compare nei registri dei marchi torinesi a partire dal 1926, con deposito ufficiale presso gli archivi camerali, e fu utilizzato per campagne pubblicitarie che impiegavano immagini figurative e slogan in lingua italiana. La sede produttiva era collocata nell’area del Lingotto, zona industriale di Torino caratterizzata dalla vicinanza con la grande fabbrica FIAT. Le saponerie De Bernardi si inserirono nel tessuto produttivo torinese come impresa familiare di medie dimensioni, con una gamma di prodotti destinati sia al mercato locale sia a quello nazionale. Abrador fu promosso attraverso manifesti e locandine, con iconografie che riflettevano le pratiche pubblicitarie dell’epoca, basate su figure allegoriche e sull’associazione tra pulizia e modernità. Le Saponerie Fratelli De Bernardi operarono in un contesto di forte concorrenza con altre ditte piemontesi e italiane, come quelle di Milano e Genova, che producevano saponi e detersivi in un mercato in rapida evoluzione. 

    La produzione di Abrador si collocava in una fase di transizione tecnologica, con l’introduzione di nuovi processi di saponificazione e l’uso di materie prime importate, come oli vegetali e grassi animali, trattati con soda caustica secondo metodi industriali. La ditta partecipò a fiere e esposizioni locali, inserendosi nel panorama delle piccole e medie imprese torinesi che contribuivano alla diversificazione del tessuto industriale cittadino. La produzione si protrasse per alcuni decenni, fino al progressivo ridimensionamento delle saponerie tradizionali a partire dagli anni '50, quando il mercato fu trasformato dall’ingresso di grandi multinazionali e dall’affermazione dei detersivi sintetici. Abrador rimase un marchio legato alla memoria industriale torinese, rappresentativo di una fase storica in cui la città era centro di innovazione e di sviluppo manifatturiero. La ditta Fratelli De Bernardi, cessò progressivamente la produzione nel corso della seconda metà del Novecento, lasciando traccia della propria attività nei registri camerali e nei materiali pubblicitari conservati. La storia di Abrador si inserisce dunque nel quadro delle imprese torinesi che, tra gli anni Venti e Cinquanta, contribuirono alla crescita economica locale attraverso la produzione di beni di largo consumo.

STORIA DEL TIRO ALLA FUNE

    Il tiro alla fune è uno sport di squadra in cui due gruppi si sfidano tirando le estremità opposte di una corda, cercando di trascinare il segnalino centrale oltre una linea prestabilita. Le origini del gioco sono antichissime e si ritrovano in civiltà come l’Egitto, la Grecia, l’India, la Cina e la Cambogia, dove aveva spesso significati rituali e militari. In Cina, durante la dinastia Tang, si svolgevano competizioni con corde lunghe fino a 167 metri e squadre di oltre 500 persone. In Grecia, il gioco era noto come helkystinda e serviva per allenare la forza dei guerrieri. In India, un bassorilievo del XII secolo nel Tempio del Sole di Konark raffigura chiaramente una scena di tiro alla fune. Anche in Europa il gioco ha radici antiche: in epoca vichinga era una prova di forza con pelli animali sopra fosse infuocate. Nel XVI e XVII secolo si diffuse nei giardini dei castelli francesi e britannici. Nel XIX secolo, marinai e soldati lo praticavano per migliorare la coordinazione e la forza. Il tiro alla fune fu disciplina olimpica dal 1900 al 1920 e oggi è regolato dalla Tug of War International Federation (TWIF), che organizza campionati mondiali indoor e outdoor. 

    Le squadre sono composte da otto membri e devono rispettare regole precise: non si può toccare il suolo per troppo tempo, né abbassare il gomito sotto il ginocchio. Il gioco richiede forza, tecnica e coordinazione, spesso guidate da un “driver” che dà ordini ritmici. Il peso dei partecipanti e l’attrito con il terreno sono fattori determinanti. Il tiro alla fune è presente in molte culture come rito propiziatorio o cerimoniale: in Giappone è legato ai raccolti, in Myanmar ai funerali dei monaci, in Corea ha significato divinatorio. In Indonesia è popolare durante le celebrazioni nazionali. In alcune varianti, come in Polonia, si gioca con barche, mentre negli Stati Uniti esistono versioni con corde a otto maniglie. Il gioco è praticato anche in contesti scolastici e universitari, come il Puddle Pull della Miami University. Nonostante la sua apparente semplicità, il tiro alla fune può comportare gravi rischi: la rottura della corda sotto tensione può causare amputazioni e lesioni gravi. Per questo esistono corde appositamente progettate per resistere alle forze generate. Il tiro alla fune, pur non essendo più disciplina olimpica, rimane un’attività diffusa e significativa, sia come sport competitivo che come espressione culturale.

PERRY COMO (1912-2001)

 

    Pierino Ronald “Perry” Como nacque il 18 maggio 1912 a Canonsburg, Pennsylvania, settimo di tredici figli di Pietro Como e Lucia Travaglini, emigrati da Palena in Abruzzo nel 1910. Cresciuto in un ambiente dove si parlava italiano, iniziò presto a suonare strumenti musicali e a lavorare come barbiere, aprendo un proprio negozio a soli 14 anni. La sua abilità nel canto lo rese popolare nelle comunità locali, soprattutto durante i matrimoni. Nel 1932 fu notato da Freddy Carlone e si unì alla sua orchestra, sposando Roselle Belline nel 1933. Nel 1936 entrò nell’orchestra di Ted Weems, con cui registrò i primi dischi per Decca e ottenne visibilità nazionale grazie a programmi radiofonici come Fibber McGee and Molly. Nel 1942 lasciò la vita itinerante per tornare a Canonsburg, ma nel 1943 firmò con RCA Victor, iniziando una collaborazione durata 44 anni. Debuttò alla radio CBS e poi al Copacabana di New York, diventando rapidamente uno dei crooner più celebri insieme a Sinatra e Crosby. Dal 1944 condusse il programma radiofonico Chesterfield Supper Club, che nel 1948 fu trasmesso anche in televisione. Nel 1950 passò alla CBS con The Perry Como Chesterfield Show e nel 1955 tornò alla NBC con The Perry Como Show, un varietà di grande successo. Ricevette cinque Emmy tra il 1955 e il 1959, un Christopher Award e un Peabody Award nel 1956, un Kennedy Center Honor nel 1987 e l’ingresso nella Television Hall of Fame nel 1990. 

    Postumo ottenne il Grammy Lifetime Achievement Award nel 2002 e l’inclusione nella Long Island Music Hall of Fame nel 2006. Ha tre stelle sulla Hollywood Walk of Fame per radio, televisione e musica. La sua carriera discografica, basata su brani di vocal pop ed easy listening, vendette oltre 100 milioni di copie. Tra i suoi successi si ricordano Catch a Falling Star, primo disco a vincere un Grammy nel 1959, e brani come It’s Impossible. Fu anche attore in film per la 20th Century-Fox e MGM, tra cui Something for the Boys e Words and Music, ma preferì la televisione dove poteva mostrarsi autentico. Nel 1970 tornò alle esibizioni dal vivo a Las Vegas, pubblicando il suo primo album registrato in concerto. Negli anni Settanta e Ottanta si esibì in tour internazionali, incluso il Regno Unito, e partecipò a eventi ufficiali come la cena di Stato alla Casa Bianca per il presidente italiano Pertini nel 1982 e l’intrattenimento per la visita della regina Elisabetta II nel 1983. Continuò a esibirsi anche dopo gli ottant’anni. Morì il 12 maggio 2001 a Jupiter Inlet Colony, Florida, a 88 anni, ed è sepolto a Tequesta. Rimase sposato con Roselle fino alla sua morte nel 1998 e ebbero tre figli. La sua carriera, durata oltre mezzo secolo, lo rese una figura centrale della musica e della televisione americana. 

XAVIER CUGAT (1900-1990)

 

    Xavier Cugat nacque a Girona il 1º gennaio 1900 con il nome di Francisco de Asís Javier Cugat Mingall de Bru y Deulofeu; la sua famiglia si trasferì a Cuba durante l’infanzia a causa delle vicende politiche del padre e lì maturò la passione per la musica, iniziando giovanissimo lo studio del violino e suonando nell’Orchestra del Teatro Nazionale de L’Avana prima di imbarcarsi per gli Stati Uniti, dove sarebbe diventato figura centrale nell’introduzione dei ritmi latino-americani nel mercato popolare statunitense. Dopo l’arrivo a New York si esibì in formazioni di tanghi e balli come The Gigolos, quindi si spostò in California e lavorò anche come disegnatore e caricaturista per il Los Angeles Times, esperienza che gli garantì contatti con il mondo dello spettacolo hollywoodiano e con star dell’epoca. Negli anni Venti e Trenta formò orchestre che miscelavano arrangiamenti classici, tanghi, rumba e, più tardi, mambo e cha-cha-cha; il suo stile scenografico e il costume delle sue formazioni contribuirono a rendere la musica latina visivamente attraente per il grande pubblico, suscitando al contempo critiche di puristi ma determinando l’apertura commerciale ai nuovi suoni. 

    Direttore resident del Waldorf-Astoria fino al 1949, Cugat incise numerosi successi, tra cui una celebre interpretazione di Perfidia con la voce di Miguelito Valdés che divenne uno standard; la sua orchestra fu richiesta in radio, cabaret e film, e lui stesso apparve sullo schermo in diverse occasioni recitando spesso nei panni del suo ruolo di leader d’orchestra. Celebre per i rapporti con artisti e celebrità e per una vita privata attraversata da matrimoni e relazioni pubbliche, sposò tra le altre Rita Montaner e, più tardi, l’attrice e cantante Abbe Lane; morì a Barcellona il 27 ottobre 1990 lasciando un’eredità musicale che influenzò generationi di musicisti latini e arrangiatori statunitensi e che gli valse l’inclusione tra le celebrità della Hollywood Walk of Fame.

ALBERTO SPADOLINI - SPADO' (1907-1972)

    Alberto Spadolini, detto Spadò, nacque ad Ancona il 19 dicembre 1907 e mostrò presto un temperamento eclettico che lo portò, giovanissimo, da Ancona a Roma dove lavorò come aiuto-scenografo al Teatro degli Indipendenti diretto da Anton Giulio Bragaglia; fu allievo di Giorgio De Chirico e si inserì nel vivace circuito delle avanguardie, frequentando intellettuali come Alberto Moravia e Ivo Pannaggi. Dotato di forte presenza scenica e notevole bellezza, debuttò come attore alla fine degli anni Venti e negli anni Trenta si trasferì a Parigi dove costruì una carriera cosmopolita: danzò con Serge Lifar e condivise il palco con artiste come Mistinguett e Joséphine Baker, con la quale intrecciò una relazione intensa e pubblica; fu apprezzato anche come pittore, scultore, cantante, coreografo, illustratore, sceneggiatore e regista di documentari, esponendo in numerose rassegne europee e ricevendo l’attenzione di critici e artisti come Max Jacob e Jean Cocteau. 

    Durante la Seconda Guerra Mondiale partecipò ad attività di supporto alla Resistenza antinazista e, nel dopoguerra, proseguì la produzione artistica mantenendo vivi i legami con la scena francese e italiana: nei suoi quadri ricorrono riferimenti alla danza, all’esoterismo e ai paesaggi marchigiani come il Conero. Negli anni successivi si dedicò anche al restauro e alla direzione di locali notturni sulla riviera adriatica; alcune testimonianze e ricerche attribuiscono a Spadolini attività d’intelligence a favore dei servizi occidentali, con racconti sul trasporto di codici nascosti nelle sue opere. Continuò a esibirsi e ad esporre fino ai primi anni Settanta; le ultime mostre documentate risalgono al 1972 a Parigi e Stoccolma. Morì a Parigi il 17 dicembre 1972, lasciando un archivio e un corpus di opere riscoperti e valorizzati a partire dagli anni Duemila, che hanno rivelato la complessità di un artista che fu insieme danzatore, pittore e figura leggendaria della vita mondana e culturale europea.

IL MISTERO DEL FALCO (FILM 1941)

 

    Il film The Maltese Falcon, diretto da John Huston e uscito nel 1941, è un esempio paradigmatico del cinema noir americano e segna la consacrazione cinematografica di Humphrey Bogart nel ruolo dell’investigatore privato Sam Spade. La trama ruota attorno alla misteriosa figura del Sig. Thursby e alla sua compagna, che introducono Spade e il suo socio Archer in un intrigo fatto di inganni, tradimenti e omicidi; quando Archer viene ucciso, Spade si trova coinvolto con una serie di personaggi ambigui guidati dalla seducente Brigid O’Shaughnessy e dall’enigmatico Joel Cairo, tutti alla ricerca della leggendaria statuetta del falco maltese, un prezioso oggetto dorato di valore storico e simbolico. La sceneggiatura, fedele allo spirito del romanzo di Dashiell Hammett pur accorpando e comprimendo eventi per il linguaggio filmico, costruisce un climax di sospetto in cui le alleanze cambiano continuamente e la morale dei personaggi rimane volutamente ambigua. 

    La regia di Huston privilegia inquadrature sobrie, dialoghi serrati e un uso chiaroscurale della luce che enfatizza l’atmosfera di paranoia urbana; la recitazione di Bogart si distingue per il suo tono asciutto e la presenza stoica che definiscono il modello del detective hard‑boiled, mentre Mary Astor nei panni di Brigid offre una performance carica di ambivalenza emotiva. Temi centrali sono la cupidigia, la menzogna sistematica e la ricerca ossessiva di un oggetto che si rivela essere più simbolo di illusione che reale ricchezza; il finale, che risolve il mistero ma non redime i personaggi, conferma la visione pessimistica tipica del noir. L’opera ricevette consensi critici, lanciò la carriera di Huston come autore di primo piano e venne riconosciuta nel tempo come un classico imprescindibile del cinema americano, studiata per la sua economia narrativa e l’influenza sul genere detective.

EDWARD G. ROBINSON (1893-1973)

    Edward G. Robinson, nato Emanuel Goldenberg a Bucarest nel 1893 e immigrato a New York nel 1904, fu un attore di teatro e cinema tra i più versatili dell’età d’oro hollywoodiana; iniziò sul palcoscenico e in oltre 30 produzioni di Broadway e più di 100 film costruì una carriera cinquantennale che lo rese celebre per i ruoli da duro e gangster ma anche per interpretazioni più sfumate. Dopo studi alla City College e all’American Academy of Dramatic Arts cambiò il nome in Edward G. Robinson; debuttò nel cinema muto e raggiunse il successo con Little Caesar (1931), che lo impose come icona della malavita cinematografica e gli valse un contratto con la Warner Bros.; in seguito alternò gangster movie, drammi e commedie lavorando con registi come Mervyn LeRoy, Howard Hawks e John Ford1. Durante gli anni ’30 e ’40 si distinse anche per l’impegno politico: antifascista e antinazista, donò somme rilevanti a organizzazioni di soccorso e partecipò a iniziative di propaganda e intrattenimento per le truppe e le popolazioni europee, parlando in più lingue per emittenti alleate. 

    Durante la Seconda Guerra non poté arruolarsi per l’età ma fu nominato rappresentante speciale dall’Office of War Information e fu tra i primi divi a recarsi in Normandia per sostenere i soldati. Negli anni Cinquanta fu indagato dalla HUAC e “grigio-listato” dopo aver ammesso di essere stato “ingannato” da persone vicine a organizzazioni ritenute filocomuniste; pur non risultando comunista, la vicenda ne limitò le opportunità lavorative, e per un periodo recitò in film di minore budget e numerose produzioni televisive1. Riconosciuto come grande caratterista, interpretò ruoli memorabili in Double Indemnity, The Ten Commandments, Key Largo e il suo ultimo film Soylent Green; morì nel 1973 a Los Angeles per un tumore alla vescica e postumo ricevette un Oscar onorario e altri riconoscimenti che sottolinearono la sua influenza sul cinema classico americano.

BARBARA STANWYCK (1907-1990)

    Barbara Stanwyck, nata Ruby Catherine Stevens a Brooklyn nel 1907, rimase orfana in tenera età e crebbe in famiglie affidatarie. Dopo aver debuttato come corista nelle Ziegfeld Follies nel 1923, assunse lo pseudonimo all’inizio della carriera teatrale. Lavorò per sei decenni con registi come Frank Capra, Fritz Lang e Billy Wilder, girando 86 film e ricevendo quattro candidature all’Oscar, oltre a tre Emmy e un Golden Globe. Il suo passaggio dal teatro al cinema sonoro avvenne nel 1929 con The Locked Door, seguito da Mexicali Rose e Ladies of Leisure (1930), che consolidò il sodalizio con Capra. Negli anni Trenta fu protagonista di Night Nurse, Baby Face e The Bitter Tea of General Yen, incarnando ruoli spregiudicati tipici del cinema pre-code. Dal dramma popolare di Stella Dallas al brillante screwball di Ball of Fire e The Lady Eve mostrò grande versatilità e realismo scenico. Durante gli anni Quaranta brillò nel film noir Double Indemnity (1944), interpretando la spietata Phyllis Dietrichson, e nel classico natalizio Christmas in Connecticut. Con Martha Ivers e Sorry, Wrong Number ottenne l’ultima nomination agli Oscar e consolidò il suo status di icona del thriller. 

    Negli anni Cinquanta le sue apparizioni cinematografiche diminuirono, ma il carisma proseguì in televisione con The Barbara Stanwyck Show e, soprattutto, il western The Big Valley, che le fruttò due Emmy. Si sposò due volte: con l’attore Frank Fay (1928-1935), da cui adottò un figlio, e poi con Robert Taylor (1939-1951). Ebbe inoltre una relazione intensa con Robert Wagner negli anni Cinquanta. Repubblicana convinta, si oppose al New Deal di Roosevelt e sostenne le inchieste del Comitato per le Attività Antiamericane. Celebre per la gentilezza verso le maestranze e l’impegno sul set, alimentò amicizie durature con star come Gary Cooper e Henry Fonda. Negli ultimi anni ricevette l’Oscar onorario (1982), il Cecil B. DeMille Award (1986) e l’AFI Life Achievement Award (1987). Morì nel 1990 a Santa Monica per insufficienza cardiaca aggravata da broncopneumopatia cronica ostruttiva, fumava da quando era bambina e aveva smesso solo pochi anni prima. Aveva disposto di essere cremata e di spargere le sue ceneri sulle montagne di Lone Pine, suggellando un commiato simbolico ai luoghi dei suoi più celebri western.

ALIDA VALLI (1921-2006)

 

    Alida Maria Altenburger Freiin, baronessa von Marckenstein und Frauenberg, nacque a Pola il 31 maggio 1921 da madre istriana e padre trentino con ascendenze tirolesi. A otto anni si trasferì sul lago di Como, dove crebbe senza più fare ritorno nella città natale ma serbando un profondo rimpianto. Nel 1936, scegliendo a caso da un elenco telefonico il cognome d’arte “Valli”, debuttò giovanissima al Centro sperimentale di cinematografia ed esordì sul grande schermo interpretando ruoli di protagonista in commedie leggere che la resero celebre nel cinema fascista. Tra il 1940 e il 1943 lavorò con Mario Mattoli a pellicole che conquistarono il pubblico, mentre per Mario Soldati e Carmine Gallone passò a ruoli drammatici: fu Luisa in Piccolo mondo antico, vincendo un premio speciale al Festival di Venezia, e Manon in Manon Lescaut. Nell’autunno 1943 rifiutò di trasferirsi al Cinevillaggio della Repubblica di Salò, sottraendosi a film di propaganda e nascondendosi a Roma grazie all’aiuto di Leonor Fini e Luciana d’Avack. Con il suo primo figlio nato nel 1947, ottenne il Nastro d’argento per Eugenia Grandet e, sotto contratto con David O. Selznick, approdò in America.

    Lavorò accanto a Gregory Peck in Il caso Paradine di Alfred Hitchcock, a Frank Sinatra ne Il miracolo delle campane e a Joseph Cotten e Orson Welles ne Il terzo uomo. Negli anni Cinquanta tornò in Italia e lasciò un segno indelebile in Senso di Luchino Visconti. Dopo lo scandalo Montesi si ritirò, ma nel 1957 rientrò in scena con Il grido di Antonioni e La grande strada azzurra di Pontecorvo. Collaborò con Pasolini in Edipo re, con Bertolucci in Strategia del ragno e Novecento, con Argento in Suspiria e Inferno. Premi come il David di Donatello alla carriera (1991) e il Leone d’oro alla carriera a Venezia (1997) riconobbero la sua versatilità. Negli ultimi anni, assistita dalla legge Bacchelli, rifiutò la cittadinanza onoraria di Pola, dichiarando di essere e restare italiana. Morì a Roma il 22 aprile 2006; il suo funerale si tenne in Campidoglio e fu sepolta al Verano. Rimangono una via a Roma, il cinema di Pola a lei dedicato e il documentario Alida (2020), che ne celebra l’eredità e il fascino mai sopito.

ETERNALE O MOLE LITTORIA A ROMA DI MARIO PALANTI (1924)

    La storia del progetto della Mole Littoria affonda le radici nella Milano degli anni Venti, quando Mario Palanti, architetto di fama internazionale grazie alle sue opere in Sud America come il Palacio Barolo di Buenos Aires, concepì l’idea di un monumento verticale capace di incarnare il dinamismo e l’ardire del nuovo regime. Tornato in Italia, presentò nel 1924 al Ministero dei Lavori Pubblici modelli in gesso e disegni tecnici per una torre alta 330 metri e articolata in 88 piani, destinati a concentrare al loro interno uffici governativi, sedi parlamentari, hotel e spazi pubblici. Mussolini accolse con entusiasmo la proposta, chiedendo di sostituire il titolo originario L’Eternale con Mole Littoria e apponendo la dedica autografa “Per la Mole Littoria, Alalà”. Palanti elencò un programma funzionale ambizioso: vaste sale per le adunanze del Gran Consiglio, una biblioteca di oltre centomila volumi, una galleria d’arte, impianti sportivi coperti e persino un osservatorio astronomico protetto da una cupola rotante. 

    Il basamento orizzontale si componeva di un pronao ellittico monumentale, mentre la torre centrale emergeva fra volumi minori, il tutto rivestito in marmo bianco di Carrara per riflettere la luce e trasformarsi in un faro simbolico visibile a chilometri di distanza. Nel 1924 il progetto venne esposto nel Salone della Vittoria di Palazzo Chigi, suscitando reazioni contrastanti: il New York Times ne esaltò l’audacia, mentre la stampa tedesca lo definì un «eccesso di magniloquenza futurista». Ben presto emersero però criticità tecniche e finanziarie. Gli ingegneri avvertirono ostacoli alla ventilazione, alla fondazione e al sollevamento dei materiali, mentre Marcello Piacentini sollevò dubbi sull’impatto urbanistico di un colosso di quelle proporzioni. Le risorse del regime vennero dirottate su opere percepite come più urgenti, e la Mole Littoria rimase confinata alla dimensione teorica. Del sogno di Palanti sopravvivono oggi solo i disegni e alcune tavole pubblicate nel volume del 1926: testimonianze di un momento in cui l’architettura veniva elevata a strumento di propaganda e di eternazione di un potere in continua ascesa.

LEO HENDRIK BAEKELAND (1863-1944)

 

    Leo Hendrik Baekeland, nato a Gand nel 1863, fu un chimico belga naturalizzato statunitense, noto per aver rivoluzionato l’industria della plastica. Figlio di un calzolaio e di una domestica, si distinse fin da giovane per le sue capacità accademiche, ottenendo il dottorato in chimica all’Università di Gand a soli 21 anni. Dopo aver insegnato a Bruges e Gand, nel 1889 si trasferì negli Stati Uniti con la moglie Céline Swarts, dove iniziò a collaborare con l’industria fotografica. Dopo un primo brevetto per lo sviluppo di lastre fotografiche, perfezionò la carta fotografica Velox, che consentiva stampe con luce artificiale. Fondò la Nepera Chemical Company e nel 1899 vendette l’azienda a George Eastman di Kodak per 750.000 dollari, ottenendo una notevole indipendenza economica. Con i proventi acquistò una villa a Yonkers, dove allestì un laboratorio privato. Vincolato da un accordo a non lavorare più nel settore fotografico, si dedicò alla ricerca in elettrochimica e collaborò con la Hooker Chemical Company per migliorare il processo cloro-alcali. 

    La sua svolta arrivò nel 1907, quando inventò la bachelite, la prima plastica sintetica termoindurente, ottenuta dalla reazione tra fenolo e formaldeide. Questo materiale, resistente al calore e agli agenti chimici, fu utilizzato in numerosi settori, dagli isolanti elettrici agli oggetti di uso quotidiano. Baekeland brevettò il processo nel 1909 e fondò la General Bakelite Company nel 1910. Nel 1922, la sua azienda fu fusa con altre due per formare la Bakelite Corporation. Ricevette numerosi riconoscimenti, tra cui la Medaglia Perkin e la Medaglia Franklin, e fu eletto membro della National Academy of Sciences. Negli ultimi anni si ritirò a Coconut Grove, Florida, dove cercò di creare un giardino tropicale. Morì nel 1944 a Beacon, New York, e fu sepolto nel cimitero di Sleepy Hollow. La sua invenzione segnò l’inizio dell’era della plastica, con oltre 15.000 prodotti realizzati in bachelite al momento della sua morte.

GIOVAMBATTISTA MORGAGNI (1682-1771)

 

    Giovanni Battista Morgagni, nato a Forlì nel 1682 e morto a Padova nel 1771, è considerato il fondatore dell’anatomia patologica moderna. Orfano di padre a sette anni, fu educato dalla madre che gli insegnò il latino e lo avviò agli studi umanistici. A 14 anni entrò nell’Accademia dei Filergiti di Forlì, dove studiò matematica, archeologia e astronomia. A 16 anni si iscrisse all’Università di Bologna per studiare medicina, seguendo le lezioni di Ippolito Albertini e Antonio Maria Valsalva, erede scientifico di Marcello Malpighi. Morgagni non inventò il metodo anatomo-clinico, ma lo perfezionò e sistematizzò, raccogliendo osservazioni cliniche e autoptiche in un diario che mantenne per tutta la vita. Laureatosi nel 1701, collaborò con Valsalva all’ospedale di Santa Maria della Morte e contribuì alla stesura del De aure humana tractatus. Nel 1704 divenne presidente dell’Accademia degli Inquieti, dove promosse l’indagine sperimentale. Nel 1706 pubblicò gli Adversaria anatomica, che gli valsero fama internazionale. Dopo contrasti con Giovanni Girolamo Sbaraglia, si trasferì a Venezia, dove frequentò ambienti scientifici e collaborò con Zanichelli e Santorini. 

    Nel 1711 ottenne la cattedra di medicina teorica a Padova, grazie all’intercessione di Giovanni Maria Lancisi e Lorenzo Tiepolo. Nel 1712 sposò Paola Vergeri, ottenendo la nobiltà romana per poterla sposare. Ebbero numerosi figli, tra cui Fabrizio e Agostino. Nel 1715 ricevette la cattedra di anatomia, succedendo a Molinetto. La sua orazione inaugurale sottolineò l’importanza dell’anatomia per comprendere la malattia. Fu membro di prestigiose accademie europee e nel 1761 pubblicò la sua opera più importante, De sedibus et causis morborum per anatomen indagatis, che stabilì la correlazione tra lesioni anatomiche e sintomi clinici, segnando l’inizio della patologia d’organo e il superamento dell’umoralismo. Descrisse per primo la cirrosi epatica e numerose strutture anatomiche che portano il suo nome, come il ventricolo di Morgagni e l’idatide di Morgagni. Morì nel 1771 a Padova e fu sepolto nella Chiesa di San Massimo. La sua biblioteca di 5.000 volumi fu acquistata dall’Università di Padova. Morgagni fu anche latinista, botanico, archeologo e storico, e la sua eredità scientifica è celebrata in numerose istituzioni italiane che portano il suo nome.

SAN GIUSEPPE MOSCATI (1880-1927)

 

    Giuseppe Moscati nacque a Benevento nel 1880 e divenne uno dei medici italiani più noti per l’impegno sanitario, la ricerca scientifica e la carità verso i poveri. Laureatosi con lode nel 1903, svolse l’attività clinica e di laboratorio agli Ospedali Riuniti degli Incurabili di Napoli dove si distinse per studi di chimica fisiologica e clinica, ricerche sul metabolismo del glicogeno, metodiche per la determinazione del sangue nelle nefriti e contributi alla diagnostica biochimica. Fu tra i primi in Italia ad adottare l’insulina per il trattamento del diabete e promosse misure igienico-sanitarie in occasione di epidemie come il colera, partecipando anche ai soccorsi dopo l’eruzione del Vesuvio del 1906. La sua pratica medica univa rigore scientifico e profonda spiritualità; considerava la professione medica una chiamata e il malato una presenza di Cristo, offrendosi spesso in forma gratuita ai bisognosi, sovvenzionando cure e provvedendo personalmente alla distribuzione di alimenti e latte ai poveri. 

    Nato in una famiglia di rango, scelse uno stile di vita austero, praticò la castità e dedicò molte energie all’assistenza dei più poveri evitando incarichi che lo allontanassero dall’attività ospedaliera. Durante la prima guerra mondiale prestò servizio per assistere i militari e continuò a pubblicare lavori scientifici su riviste nazionali e internazionali. Morì a Napoli il 12 aprile 1927 per un infarto. Dopo la morte la sua fama di santità crebbe rapidamente; la Chiesa cattolica avviò il processo di beatificazione e riconobbe miracoli che condussero alla beatificazione nel 1975 e alla canonizzazione nel 1987. Le sue spoglie sono custodite nella chiesa del Gesù Nuovo a Napoli e la sua figura è ricordata per l’integrazione autentica tra scienza, umanità e fede, con numerose associazioni, scuole e istituzioni che portano il suo nome e ne diffondono l’esempio di servizio disinteressato.

STORIA IN DIRETTA: FEBBRAIO 1899

 

    Nel febbraio 1899 in Italia il 1º febbraio cessò il mandato politico dei deputati Luigi De Andreis, repubblicano, e Filippo Turati, socialista, entrambi condannati per i moti del pane del maggio 1898. Il 17 febbraio alla Camera dei Deputati fu annunciata la morte del presidente della Repubblica francese Félix Faure, avvenuta il 16 febbraio a Parigi, evento che suscitò grande attenzione anche in Italia per le implicazioni diplomatiche, poiché pochi giorni prima Faure aveva ratificato un accordo commerciale con l’Italia. In quello stesso mese il governo Pelloux proseguiva la discussione sul disegno di legge coercitivo per la sicurezza pubblica, con l’opposizione radicale e socialista impegnata in un’ostruzione parlamentare. In ambito culturale, il 3 febbraio Emilia Giordani scrisse da Loschwitz a Ferrari una lettera che testimonia la vivace corrispondenza intellettuale dell’epoca. Sul piano internazionale, il mese fu segnato dalla “Grande esplosione artica del febbraio 1899”, un’ondata di freddo eccezionale che colpì il Nord America, descritta come una delle più intense della storia documentata, con temperature estremamente basse e nevicate diffuse che paralizzarono città e campagne. 

    Il 4 febbraio iniziò la guerra filippino-americana, con lo scontro tra le forze statunitensi e i nazionalisti filippini guidati da Emilio Aguinaldo, che si opponevano all’occupazione americana dopo la fine del dominio spagnolo. Il 6 febbraio il Senato degli Stati Uniti ratificò il Trattato di Parigi, con cui la Spagna cedeva le Filippine, Guam e Porto Rico agli Stati Uniti, consolidando la fine della guerra ispano-americanaWikipedia. Il 10 febbraio a Londra si svolsero cerimonie ufficiali per commemorare la regina Vittoria, mentre in Francia si aprì la crisi politica conseguente alla morte di Faure, con Émile Loubet eletto nuovo presidente della Repubblica il 18 febbraio. In Russia, nello stesso mese, furono intensificate le politiche di russificazione nei territori baltici, mentre in Cina si registravano tensioni legate alla crescente influenza straniera.