MUSEO DI STORIA NATURALE A VIENNA

    Il Naturhistorisches Museum di Vienna, inaugurato nel 1889, è uno dei più grandi e prestigiosi musei di storia naturale al mondo. Situato nel Maria-Theresien-Platz, fu progettato dagli architetti Gottfried Semper e Karl von Hasenauer come parte del Kaiserforum. Le sue origini risalgono al 1750, quando l’imperatore Francesco I acquistò una vasta collezione di naturalia, comprendente conchiglie, coralli, minerali e gemme rare. Nel tempo, la collezione crebbe tanto da richiedere una nuova sede, culminando nella costruzione dell’attuale edificio. Dopo la fine della monarchia nel 1918, il museo divenne proprietà statale e nel 1920 fu posto sotto la supervisione del Ministero dell’Istruzione. Durante il periodo nazista, il museo ricevette oggetti provenienti da proprietà ebraiche confiscate, e solo negli anni ’90 si avviò un processo sistematico di restituzione. Fino al 1996 esisteva una controversa sala dedicata alle razze umane, poi chiusa e sostituita nel 2013 da una nuova esposizione antropologica. 

    Dal 2003 il museo è una istituzione scientifica autonoma di diritto pubblico. Oggi accoglie oltre un milione di visitatori l’anno e conserva circa 30 milioni di oggetti. L’edificio, in stile neorinascimentale, è decorato con statue e simboli che celebrano la conoscenza scientifica e la natura. Tra le sezioni principali vi sono antropologia, botanica, geologia, paleontologia, mineralogia, ecologia, preistoria e zoologia, suddivisa in tre dipartimenti. La collezione di meteoriti è la più antica e tra le più grandi al mondo. Di particolare rilievo è il bouquet di gemme donato da Maria Teresa al marito, composto da oltre 2000 pietre preziose. La sezione preistorica ospita la celebre Venere di Willendorf e reperti provenienti dal sito di Hallstatt. Il museo promuove anche progetti di citizen science e attività educative, come l’eco-cargo bike Ida 001 per sensibilizzare sulle tematiche ambientali.

POLITTICO DELL'AGNELLO MISTICO DI JAN VAN EYCK (1426-1432)

 

    Il polittico noto come L’adorazione dell’Agnello Mistico, realizzato nel 1432 e conservato nella cattedrale di San Bavone a Gand, è un’opera dei fratelli Hubert e Jan van Eyck, commissionata dal mercante Joos Vijd e dalla moglie Elisabeth Borluut per la loro cappella privata. È composto da ventiquattro pannelli dipinti a olio su tavola di rovere, organizzati in una visione aperta e una chiusa. Aperto, mostra nella parte superiore Cristo affiancato dalla Vergine e da Giovanni Battista, circondati da angeli musicanti e cantori, con le figure di Adamo ed Eva ai lati. Nella parte inferiore è rappresentata la scena centrale dell’adorazione dell’Agnello di Dio, posta in un paesaggio simbolico con gruppi di santi, profeti e patriarchi che convergono verso l’altare, mentre lo Spirito Santo domina dall’alto. A pannelli chiusi compaiono l’Annunciazione, i ritratti dei donatori e due santi in grisaille. L’opera fu iniziata da Hubert, morto nel 1426, e completata da Jan, come indicato da un’iscrizione scoperta nel XIX secolo. 

    Nel corso dei secoli subì numerosi spostamenti, restauri e danneggiamenti: fu smontata durante le rivolte iconoclaste del 1566, requisita dai francesi nel 1794, venduta in parte a collezionisti privati nel XIX secolo, trasferita in Germania durante entrambe le guerre mondiali e infine restituita al Belgio. Il pannello dei Giudici Giusti fu rubato nel 1934 e mai recuperato; oggi è sostituito da una copia realizzata da Jef Vanderveken nel 1945. L’opera è considerata un capolavoro dei primitivi fiamminghi per l’uso innovativo della tecnica a olio, la precisione naturalistica, la resa della luce e il complesso simbolismo teologico basato sull’Apocalisse. Numerosi studi scientifici e restauri, tra cui quelli del 1950 e del 2010, hanno analizzato pigmenti, stratigrafie e condizioni conservative. Il polittico ha influenzato profondamente la pittura europea del XV secolo, ispirando artisti fiamminghi, tedeschi e catalani, e presenta affinità compositive con opere come La Fonte della Grazia. La struttura iconografica, ricca di iscrizioni latine e riferimenti biblici, riflette la cultura religiosa e il contesto sociale della borghesia fiamminga del Quattrocento, legata al mecenatismo privato e alla devozione domestica.

WILLIAM ADOLPHE BUGUEREAU (1825-1905)

 

    William Adolphe Bouguereau nacque a La Rochelle nel 1825 ed è considerato uno dei principali rappresentanti della pittura accademica francese del XIX secolo. Si formò all’École des Beaux-Arts di Parigi, distinguendosi precocemente per il rigore del disegno e la padronanza tecnica, qualità che gli valsero nel 1850 il prestigioso Prix de Rome. Il soggiorno romano ebbe un ruolo decisivo nella sua maturazione artistica, consolidando il suo legame con la tradizione classica e rinascimentale, visibile nella precisione anatomica, nell’equilibrio compositivo e nella resa ideale delle figure. Bouguereau sviluppò uno stile estremamente levigato, caratterizzato da superfici pittoriche prive di tracce evidenti di pennellata e da una raffinata modulazione della luce e del colore. 

    I suoi soggetti prediletti furono scene mitologiche, allegoriche e religiose, accanto a rappresentazioni idealizzate della vita rurale, spesso incentrate su figure femminili e infantili. Nel corso della sua carriera godette di un successo straordinario, esponendo regolarmente al Salon e ricevendo numerosi riconoscimenti ufficiali, tra cui la Legion d’Onore e l’elezione all’Académie des Beaux-Arts. Svolse anche un’intensa attività didattica, influenzando molti pittori francesi e stranieri. Con l’affermarsi dell’Impressionismo e delle avanguardie, la sua pittura fu progressivamente considerata superata e cadde in una lunga fase di oblio. Morì nel 1905, ma nel corso del Novecento la sua opera è stata rivalutata, soprattutto per l’eccezionale virtuosismo tecnico e per il ruolo centrale che ebbe nella pittura ufficiale della Francia ottocentesca.

TAMARA DE LEMPICKA (1898-1980)

 

Tamara de Lempicka nacque a Varsavia nel 1898 e crebbe tra Polonia, Svizzera e Russia. Nel 1916 sposò l’avvocato Tadeusz Lempicki a San Pietroburgo; dopo la Rivoluzione russa la coppia fuggì e nel 1918 si stabilì a Parigi. Per mantenersi iniziò a dipingere su commissione, studiò con Maurice Denis e André Lhote e aprì uno studio a Montparnasse. Affinò un linguaggio basato su contorni precisi, modellato geometrico e velature che rendono la pelle e i tessuti lucidi, diventando una delle interpreti più note dell’Art Déco. Negli anni Venti espose al Salon d’Automne e al Salon des Indépendants e lavorò per una clientela internazionale, ritraendo aristocratici, industriali e protagonisti della mondanità, oltre a nudi e nature morte. 

    Tra i soggetti ricorrenti figurano la figlia Kizette e figure femminili idealizzate; opere come La bella Rafaela (1927) e diversi ritratti a figura intera consolidarono la sua fama. Nel 1928 divorziò da Lempicki; nel 1933 sposò il barone Raoul Kuffner. Nel 1929 dipinse l’Autoritratto in Bugatti verde, immagine simbolo della modernità, pubblicata su una rivista di moda tedesca. Negli anni Trenta realizzò anche composizioni di soggetto religioso e opere dal tono più severo. Alla vigilia della Seconda guerra mondiale si trasferì negli Stati Uniti, vivendo tra New York e California, poi a Houston, continuando a dipingere e a presentare lavori in mostre personali. Dagli anni Settanta il suo catalogo fu rivalutato dal mercato e da retrospettive, con nuove acquisizioni museali. Morì nel 1980 a Cuernavaca, in Messico; secondo la sua volontà le ceneri furono disperse sul vulcano Popocatépetl.

GALILEO CHINI (1873-1956)

 

    Galileo Chini nacque a Firenze il 2 dicembre 1873 e si formò all’Accademia di Belle Arti, muovendosi tra pittura, ceramica, vetrate e grande decorazione in pieno clima Liberty. Tra 1896 e 1897 fu tra i fondatori della manifattura L’Arte della Ceramica, di cui guidò la direzione artistica, producendo maioliche, pannelli e oggetti con motivi floreali e simbolisti; in seguito l’attività si trasferì a Fontebuoni. Dopo l’uscita dalla manifattura, avviò nel Mugello le Fornaci di San Lorenzo, laboratorio capace di unire ceramiche, vetri, arredi e progetti d’interni. Nei primi decenni del Novecento lavorò intensamente per complessi termali toscani, soprattutto a Montecatini Terme, dove realizzò decorazioni, vetrate, lucernari e rivestimenti per vari edifici, e per Salsomaggiore Terme, con interventi legati alle Terme Berzieri. 

    Tra 1911 e 1913 soggiornò a Bangkok per decorare gli interni della Sala del Trono Ananta Samakhom, esperienza che rafforzò il suo repertorio orientaleggiante. Continuò a esporre e a lavorare come decoratore e pittore; negli anni Venti progettò anche scenografie per l’opera Turandot di Giacomo Puccini, sviluppate tra 1924 e 1926. Morì a Firenze il 23 agosto 1956. A Borgo San Lorenzo, nella villa Pecori Giraldi, un museo dedicato alla famiglia Chini documenta il suo percorso e quello delle manifatture legate al suo nome. Nel 1898 la giovane manifattura ottenne una medaglia d’oro alla Prima Esposizione d’Arte Decorativa di Torino. Partecipò più volte alla Biennale di Venezia e realizzò cicli murali e pannelli ceramici pensati come opere “totali”, in cui architettura e decorazione dovevano integrarsi.

GIOVANNI BOLDINI (1842-1931)

 

    Giovanni Boldini nacque a Ferrara il 31 dicembre 1842; il padre Antonio, pittore, lo avviò presto al disegno. Nel 1862 si trasferì a Firenze, studiò all’Accademia di Belle Arti con Stefano Ussi ed Enrico Pollastrini e frequentò il Caffè Michelangiolo, ambiente dei Macchiaioli, dove consolidò l’attenzione per luce, movimento e osservazione dal vero. Dopo esperienze e viaggi tra Italia e Inghilterra, nel 1871 si stabilì a Parigi, entrando nel circuito del mercante Adolphe Goupil: inizialmente dipinse scene di genere e vedute, poi si concentrò sul ritratto, diventando uno dei pittori più richiesti della società internazionale della Belle Époque. Il suo stile univa resa psicologica, eleganza mondana e pennellata rapida e allungata che suggeriva gesto e fruscio degli abiti. 

    Nel suo atelier posarono aristocratici, collezionisti, artisti e celebrità; tra i ritratti più noti figurano quelli di donna Franca Florio, della marchesa Luisa Casati e di Consuelo Vanderbilt. Viaggiò spesso, nel 1897 espose anche a New York; fu invitato più volte alla Biennale di Venezia e nel 1919 ricevette la Legion d’onore. Dal 1917 ebbe un grave calo della vista e ridusse l’attività. Nel 1929 sposò la giornalista Emilia Cardona. Morì a Parigi l’11 gennaio 1931 e fu sepolto alla Certosa di Ferrara; a Palazzo Massari il Museo Giovanni Boldini conserva dipinti, opere su carta e materiali provenienti dalla sua casa-atelier parigina. A Parigi usò molto anche pastelli e disegni per studiare pose e gesti, e visse al boulevard Berthier, da cui provengono arredi e documenti oggi conservati a Ferrara.

STORIA DEL TIRO ALLA FUNE

    Il tiro alla fune è uno sport di squadra in cui due gruppi si sfidano tirando le estremità opposte di una corda, cercando di trascinare il segnalino centrale oltre una linea prestabilita. Le origini del gioco sono antichissime e si ritrovano in civiltà come l’Egitto, la Grecia, l’India, la Cina e la Cambogia, dove aveva spesso significati rituali e militari. In Cina, durante la dinastia Tang, si svolgevano competizioni con corde lunghe fino a 167 metri e squadre di oltre 500 persone. In Grecia, il gioco era noto come helkystinda e serviva per allenare la forza dei guerrieri. In India, un bassorilievo del XII secolo nel Tempio del Sole di Konark raffigura chiaramente una scena di tiro alla fune. Anche in Europa il gioco ha radici antiche: in epoca vichinga era una prova di forza con pelli animali sopra fosse infuocate. Nel XVI e XVII secolo si diffuse nei giardini dei castelli francesi e britannici. Nel XIX secolo, marinai e soldati lo praticavano per migliorare la coordinazione e la forza. Il tiro alla fune fu disciplina olimpica dal 1900 al 1920 e oggi è regolato dalla Tug of War International Federation (TWIF), che organizza campionati mondiali indoor e outdoor. 

    Le squadre sono composte da otto membri e devono rispettare regole precise: non si può toccare il suolo per troppo tempo, né abbassare il gomito sotto il ginocchio. Il gioco richiede forza, tecnica e coordinazione, spesso guidate da un “driver” che dà ordini ritmici. Il peso dei partecipanti e l’attrito con il terreno sono fattori determinanti. Il tiro alla fune è presente in molte culture come rito propiziatorio o cerimoniale: in Giappone è legato ai raccolti, in Myanmar ai funerali dei monaci, in Corea ha significato divinatorio. In Indonesia è popolare durante le celebrazioni nazionali. In alcune varianti, come in Polonia, si gioca con barche, mentre negli Stati Uniti esistono versioni con corde a otto maniglie. Il gioco è praticato anche in contesti scolastici e universitari, come il Puddle Pull della Miami University. Nonostante la sua apparente semplicità, il tiro alla fune può comportare gravi rischi: la rottura della corda sotto tensione può causare amputazioni e lesioni gravi. Per questo esistono corde appositamente progettate per resistere alle forze generate. Il tiro alla fune, pur non essendo più disciplina olimpica, rimane un’attività diffusa e significativa, sia come sport competitivo che come espressione culturale.

PERRY COMO (1912-2001)

 

    Pierino Ronald “Perry” Como nacque il 18 maggio 1912 a Canonsburg, Pennsylvania, settimo di tredici figli di Pietro Como e Lucia Travaglini, emigrati da Palena in Abruzzo nel 1910. Cresciuto in un ambiente dove si parlava italiano, iniziò presto a suonare strumenti musicali e a lavorare come barbiere, aprendo un proprio negozio a soli 14 anni. La sua abilità nel canto lo rese popolare nelle comunità locali, soprattutto durante i matrimoni. Nel 1932 fu notato da Freddy Carlone e si unì alla sua orchestra, sposando Roselle Belline nel 1933. Nel 1936 entrò nell’orchestra di Ted Weems, con cui registrò i primi dischi per Decca e ottenne visibilità nazionale grazie a programmi radiofonici come Fibber McGee and Molly. Nel 1942 lasciò la vita itinerante per tornare a Canonsburg, ma nel 1943 firmò con RCA Victor, iniziando una collaborazione durata 44 anni. Debuttò alla radio CBS e poi al Copacabana di New York, diventando rapidamente uno dei crooner più celebri insieme a Sinatra e Crosby. Dal 1944 condusse il programma radiofonico Chesterfield Supper Club, che nel 1948 fu trasmesso anche in televisione. Nel 1950 passò alla CBS con The Perry Como Chesterfield Show e nel 1955 tornò alla NBC con The Perry Como Show, un varietà di grande successo. Ricevette cinque Emmy tra il 1955 e il 1959, un Christopher Award e un Peabody Award nel 1956, un Kennedy Center Honor nel 1987 e l’ingresso nella Television Hall of Fame nel 1990. 

    Postumo ottenne il Grammy Lifetime Achievement Award nel 2002 e l’inclusione nella Long Island Music Hall of Fame nel 2006. Ha tre stelle sulla Hollywood Walk of Fame per radio, televisione e musica. La sua carriera discografica, basata su brani di vocal pop ed easy listening, vendette oltre 100 milioni di copie. Tra i suoi successi si ricordano Catch a Falling Star, primo disco a vincere un Grammy nel 1959, e brani come It’s Impossible. Fu anche attore in film per la 20th Century-Fox e MGM, tra cui Something for the Boys e Words and Music, ma preferì la televisione dove poteva mostrarsi autentico. Nel 1970 tornò alle esibizioni dal vivo a Las Vegas, pubblicando il suo primo album registrato in concerto. Negli anni Settanta e Ottanta si esibì in tour internazionali, incluso il Regno Unito, e partecipò a eventi ufficiali come la cena di Stato alla Casa Bianca per il presidente italiano Pertini nel 1982 e l’intrattenimento per la visita della regina Elisabetta II nel 1983. Continuò a esibirsi anche dopo gli ottant’anni. Morì il 12 maggio 2001 a Jupiter Inlet Colony, Florida, a 88 anni, ed è sepolto a Tequesta. Rimase sposato con Roselle fino alla sua morte nel 1998 e ebbero tre figli. La sua carriera, durata oltre mezzo secolo, lo rese una figura centrale della musica e della televisione americana. 

XAVIER CUGAT (1900-1990)

 

    Xavier Cugat nacque a Girona il 1º gennaio 1900 con il nome di Francisco de Asís Javier Cugat Mingall de Bru y Deulofeu; la sua famiglia si trasferì a Cuba durante l’infanzia a causa delle vicende politiche del padre e lì maturò la passione per la musica, iniziando giovanissimo lo studio del violino e suonando nell’Orchestra del Teatro Nazionale de L’Avana prima di imbarcarsi per gli Stati Uniti, dove sarebbe diventato figura centrale nell’introduzione dei ritmi latino-americani nel mercato popolare statunitense. Dopo l’arrivo a New York si esibì in formazioni di tanghi e balli come The Gigolos, quindi si spostò in California e lavorò anche come disegnatore e caricaturista per il Los Angeles Times, esperienza che gli garantì contatti con il mondo dello spettacolo hollywoodiano e con star dell’epoca. Negli anni Venti e Trenta formò orchestre che miscelavano arrangiamenti classici, tanghi, rumba e, più tardi, mambo e cha-cha-cha; il suo stile scenografico e il costume delle sue formazioni contribuirono a rendere la musica latina visivamente attraente per il grande pubblico, suscitando al contempo critiche di puristi ma determinando l’apertura commerciale ai nuovi suoni. 

    Direttore resident del Waldorf-Astoria fino al 1949, Cugat incise numerosi successi, tra cui una celebre interpretazione di Perfidia con la voce di Miguelito Valdés che divenne uno standard; la sua orchestra fu richiesta in radio, cabaret e film, e lui stesso apparve sullo schermo in diverse occasioni recitando spesso nei panni del suo ruolo di leader d’orchestra. Celebre per i rapporti con artisti e celebrità e per una vita privata attraversata da matrimoni e relazioni pubbliche, sposò tra le altre Rita Montaner e, più tardi, l’attrice e cantante Abbe Lane; morì a Barcellona il 27 ottobre 1990 lasciando un’eredità musicale che influenzò generationi di musicisti latini e arrangiatori statunitensi e che gli valse l’inclusione tra le celebrità della Hollywood Walk of Fame.

ALBERTO SPADOLINI - SPADO' (1907-1972)

    Alberto Spadolini, detto Spadò, nacque ad Ancona il 19 dicembre 1907 e mostrò presto un temperamento eclettico che lo portò, giovanissimo, da Ancona a Roma dove lavorò come aiuto-scenografo al Teatro degli Indipendenti diretto da Anton Giulio Bragaglia; fu allievo di Giorgio De Chirico e si inserì nel vivace circuito delle avanguardie, frequentando intellettuali come Alberto Moravia e Ivo Pannaggi. Dotato di forte presenza scenica e notevole bellezza, debuttò come attore alla fine degli anni Venti e negli anni Trenta si trasferì a Parigi dove costruì una carriera cosmopolita: danzò con Serge Lifar e condivise il palco con artiste come Mistinguett e Joséphine Baker, con la quale intrecciò una relazione intensa e pubblica; fu apprezzato anche come pittore, scultore, cantante, coreografo, illustratore, sceneggiatore e regista di documentari, esponendo in numerose rassegne europee e ricevendo l’attenzione di critici e artisti come Max Jacob e Jean Cocteau. 

    Durante la Seconda Guerra Mondiale partecipò ad attività di supporto alla Resistenza antinazista e, nel dopoguerra, proseguì la produzione artistica mantenendo vivi i legami con la scena francese e italiana: nei suoi quadri ricorrono riferimenti alla danza, all’esoterismo e ai paesaggi marchigiani come il Conero. Negli anni successivi si dedicò anche al restauro e alla direzione di locali notturni sulla riviera adriatica; alcune testimonianze e ricerche attribuiscono a Spadolini attività d’intelligence a favore dei servizi occidentali, con racconti sul trasporto di codici nascosti nelle sue opere. Continuò a esibirsi e ad esporre fino ai primi anni Settanta; le ultime mostre documentate risalgono al 1972 a Parigi e Stoccolma. Morì a Parigi il 17 dicembre 1972, lasciando un archivio e un corpus di opere riscoperti e valorizzati a partire dagli anni Duemila, che hanno rivelato la complessità di un artista che fu insieme danzatore, pittore e figura leggendaria della vita mondana e culturale europea.

IL MISTERO DEL FALCO (FILM 1941)

 

    Il film The Maltese Falcon, diretto da John Huston e uscito nel 1941, è un esempio paradigmatico del cinema noir americano e segna la consacrazione cinematografica di Humphrey Bogart nel ruolo dell’investigatore privato Sam Spade. La trama ruota attorno alla misteriosa figura del Sig. Thursby e alla sua compagna, che introducono Spade e il suo socio Archer in un intrigo fatto di inganni, tradimenti e omicidi; quando Archer viene ucciso, Spade si trova coinvolto con una serie di personaggi ambigui guidati dalla seducente Brigid O’Shaughnessy e dall’enigmatico Joel Cairo, tutti alla ricerca della leggendaria statuetta del falco maltese, un prezioso oggetto dorato di valore storico e simbolico. La sceneggiatura, fedele allo spirito del romanzo di Dashiell Hammett pur accorpando e comprimendo eventi per il linguaggio filmico, costruisce un climax di sospetto in cui le alleanze cambiano continuamente e la morale dei personaggi rimane volutamente ambigua. 

    La regia di Huston privilegia inquadrature sobrie, dialoghi serrati e un uso chiaroscurale della luce che enfatizza l’atmosfera di paranoia urbana; la recitazione di Bogart si distingue per il suo tono asciutto e la presenza stoica che definiscono il modello del detective hard‑boiled, mentre Mary Astor nei panni di Brigid offre una performance carica di ambivalenza emotiva. Temi centrali sono la cupidigia, la menzogna sistematica e la ricerca ossessiva di un oggetto che si rivela essere più simbolo di illusione che reale ricchezza; il finale, che risolve il mistero ma non redime i personaggi, conferma la visione pessimistica tipica del noir. L’opera ricevette consensi critici, lanciò la carriera di Huston come autore di primo piano e venne riconosciuta nel tempo come un classico imprescindibile del cinema americano, studiata per la sua economia narrativa e l’influenza sul genere detective.

EDWARD G. ROBINSON (1893-1973)

    Edward G. Robinson, nato Emanuel Goldenberg a Bucarest nel 1893 e immigrato a New York nel 1904, fu un attore di teatro e cinema tra i più versatili dell’età d’oro hollywoodiana; iniziò sul palcoscenico e in oltre 30 produzioni di Broadway e più di 100 film costruì una carriera cinquantennale che lo rese celebre per i ruoli da duro e gangster ma anche per interpretazioni più sfumate. Dopo studi alla City College e all’American Academy of Dramatic Arts cambiò il nome in Edward G. Robinson; debuttò nel cinema muto e raggiunse il successo con Little Caesar (1931), che lo impose come icona della malavita cinematografica e gli valse un contratto con la Warner Bros.; in seguito alternò gangster movie, drammi e commedie lavorando con registi come Mervyn LeRoy, Howard Hawks e John Ford1. Durante gli anni ’30 e ’40 si distinse anche per l’impegno politico: antifascista e antinazista, donò somme rilevanti a organizzazioni di soccorso e partecipò a iniziative di propaganda e intrattenimento per le truppe e le popolazioni europee, parlando in più lingue per emittenti alleate. 

    Durante la Seconda Guerra non poté arruolarsi per l’età ma fu nominato rappresentante speciale dall’Office of War Information e fu tra i primi divi a recarsi in Normandia per sostenere i soldati. Negli anni Cinquanta fu indagato dalla HUAC e “grigio-listato” dopo aver ammesso di essere stato “ingannato” da persone vicine a organizzazioni ritenute filocomuniste; pur non risultando comunista, la vicenda ne limitò le opportunità lavorative, e per un periodo recitò in film di minore budget e numerose produzioni televisive1. Riconosciuto come grande caratterista, interpretò ruoli memorabili in Double Indemnity, The Ten Commandments, Key Largo e il suo ultimo film Soylent Green; morì nel 1973 a Los Angeles per un tumore alla vescica e postumo ricevette un Oscar onorario e altri riconoscimenti che sottolinearono la sua influenza sul cinema classico americano.

BARBARA STANWYCK (1907-1990)

    Barbara Stanwyck, nata Ruby Catherine Stevens a Brooklyn nel 1907, rimase orfana in tenera età e crebbe in famiglie affidatarie. Dopo aver debuttato come corista nelle Ziegfeld Follies nel 1923, assunse lo pseudonimo all’inizio della carriera teatrale. Lavorò per sei decenni con registi come Frank Capra, Fritz Lang e Billy Wilder, girando 86 film e ricevendo quattro candidature all’Oscar, oltre a tre Emmy e un Golden Globe. Il suo passaggio dal teatro al cinema sonoro avvenne nel 1929 con The Locked Door, seguito da Mexicali Rose e Ladies of Leisure (1930), che consolidò il sodalizio con Capra. Negli anni Trenta fu protagonista di Night Nurse, Baby Face e The Bitter Tea of General Yen, incarnando ruoli spregiudicati tipici del cinema pre-code. Dal dramma popolare di Stella Dallas al brillante screwball di Ball of Fire e The Lady Eve mostrò grande versatilità e realismo scenico. Durante gli anni Quaranta brillò nel film noir Double Indemnity (1944), interpretando la spietata Phyllis Dietrichson, e nel classico natalizio Christmas in Connecticut. Con Martha Ivers e Sorry, Wrong Number ottenne l’ultima nomination agli Oscar e consolidò il suo status di icona del thriller. 

    Negli anni Cinquanta le sue apparizioni cinematografiche diminuirono, ma il carisma proseguì in televisione con The Barbara Stanwyck Show e, soprattutto, il western The Big Valley, che le fruttò due Emmy. Si sposò due volte: con l’attore Frank Fay (1928-1935), da cui adottò un figlio, e poi con Robert Taylor (1939-1951). Ebbe inoltre una relazione intensa con Robert Wagner negli anni Cinquanta. Repubblicana convinta, si oppose al New Deal di Roosevelt e sostenne le inchieste del Comitato per le Attività Antiamericane. Celebre per la gentilezza verso le maestranze e l’impegno sul set, alimentò amicizie durature con star come Gary Cooper e Henry Fonda. Negli ultimi anni ricevette l’Oscar onorario (1982), il Cecil B. DeMille Award (1986) e l’AFI Life Achievement Award (1987). Morì nel 1990 a Santa Monica per insufficienza cardiaca aggravata da broncopneumopatia cronica ostruttiva, fumava da quando era bambina e aveva smesso solo pochi anni prima. Aveva disposto di essere cremata e di spargere le sue ceneri sulle montagne di Lone Pine, suggellando un commiato simbolico ai luoghi dei suoi più celebri western.

ALIDA VALLI (1921-2006)

 

    Alida Maria Altenburger Freiin, baronessa von Marckenstein und Frauenberg, nacque a Pola il 31 maggio 1921 da madre istriana e padre trentino con ascendenze tirolesi. A otto anni si trasferì sul lago di Como, dove crebbe senza più fare ritorno nella città natale ma serbando un profondo rimpianto. Nel 1936, scegliendo a caso da un elenco telefonico il cognome d’arte “Valli”, debuttò giovanissima al Centro sperimentale di cinematografia ed esordì sul grande schermo interpretando ruoli di protagonista in commedie leggere che la resero celebre nel cinema fascista. Tra il 1940 e il 1943 lavorò con Mario Mattoli a pellicole che conquistarono il pubblico, mentre per Mario Soldati e Carmine Gallone passò a ruoli drammatici: fu Luisa in Piccolo mondo antico, vincendo un premio speciale al Festival di Venezia, e Manon in Manon Lescaut. Nell’autunno 1943 rifiutò di trasferirsi al Cinevillaggio della Repubblica di Salò, sottraendosi a film di propaganda e nascondendosi a Roma grazie all’aiuto di Leonor Fini e Luciana d’Avack. Con il suo primo figlio nato nel 1947, ottenne il Nastro d’argento per Eugenia Grandet e, sotto contratto con David O. Selznick, approdò in America.

    Lavorò accanto a Gregory Peck in Il caso Paradine di Alfred Hitchcock, a Frank Sinatra ne Il miracolo delle campane e a Joseph Cotten e Orson Welles ne Il terzo uomo. Negli anni Cinquanta tornò in Italia e lasciò un segno indelebile in Senso di Luchino Visconti. Dopo lo scandalo Montesi si ritirò, ma nel 1957 rientrò in scena con Il grido di Antonioni e La grande strada azzurra di Pontecorvo. Collaborò con Pasolini in Edipo re, con Bertolucci in Strategia del ragno e Novecento, con Argento in Suspiria e Inferno. Premi come il David di Donatello alla carriera (1991) e il Leone d’oro alla carriera a Venezia (1997) riconobbero la sua versatilità. Negli ultimi anni, assistita dalla legge Bacchelli, rifiutò la cittadinanza onoraria di Pola, dichiarando di essere e restare italiana. Morì a Roma il 22 aprile 2006; il suo funerale si tenne in Campidoglio e fu sepolta al Verano. Rimangono una via a Roma, il cinema di Pola a lei dedicato e il documentario Alida (2020), che ne celebra l’eredità e il fascino mai sopito.

ETERNALE O MOLE LITTORIA A ROMA DI MARIO PALANTI (1924)

    La storia del progetto della Mole Littoria affonda le radici nella Milano degli anni Venti, quando Mario Palanti, architetto di fama internazionale grazie alle sue opere in Sud America come il Palacio Barolo di Buenos Aires, concepì l’idea di un monumento verticale capace di incarnare il dinamismo e l’ardire del nuovo regime. Tornato in Italia, presentò nel 1924 al Ministero dei Lavori Pubblici modelli in gesso e disegni tecnici per una torre alta 330 metri e articolata in 88 piani, destinati a concentrare al loro interno uffici governativi, sedi parlamentari, hotel e spazi pubblici. Mussolini accolse con entusiasmo la proposta, chiedendo di sostituire il titolo originario L’Eternale con Mole Littoria e apponendo la dedica autografa “Per la Mole Littoria, Alalà”. Palanti elencò un programma funzionale ambizioso: vaste sale per le adunanze del Gran Consiglio, una biblioteca di oltre centomila volumi, una galleria d’arte, impianti sportivi coperti e persino un osservatorio astronomico protetto da una cupola rotante. 

    Il basamento orizzontale si componeva di un pronao ellittico monumentale, mentre la torre centrale emergeva fra volumi minori, il tutto rivestito in marmo bianco di Carrara per riflettere la luce e trasformarsi in un faro simbolico visibile a chilometri di distanza. Nel 1924 il progetto venne esposto nel Salone della Vittoria di Palazzo Chigi, suscitando reazioni contrastanti: il New York Times ne esaltò l’audacia, mentre la stampa tedesca lo definì un «eccesso di magniloquenza futurista». Ben presto emersero però criticità tecniche e finanziarie. Gli ingegneri avvertirono ostacoli alla ventilazione, alla fondazione e al sollevamento dei materiali, mentre Marcello Piacentini sollevò dubbi sull’impatto urbanistico di un colosso di quelle proporzioni. Le risorse del regime vennero dirottate su opere percepite come più urgenti, e la Mole Littoria rimase confinata alla dimensione teorica. Del sogno di Palanti sopravvivono oggi solo i disegni e alcune tavole pubblicate nel volume del 1926: testimonianze di un momento in cui l’architettura veniva elevata a strumento di propaganda e di eternazione di un potere in continua ascesa.

LEO HENDRIK BAEKELAND (1863-1944)

 

    Leo Hendrik Baekeland, nato a Gand nel 1863, fu un chimico belga naturalizzato statunitense, noto per aver rivoluzionato l’industria della plastica. Figlio di un calzolaio e di una domestica, si distinse fin da giovane per le sue capacità accademiche, ottenendo il dottorato in chimica all’Università di Gand a soli 21 anni. Dopo aver insegnato a Bruges e Gand, nel 1889 si trasferì negli Stati Uniti con la moglie Céline Swarts, dove iniziò a collaborare con l’industria fotografica. Dopo un primo brevetto per lo sviluppo di lastre fotografiche, perfezionò la carta fotografica Velox, che consentiva stampe con luce artificiale. Fondò la Nepera Chemical Company e nel 1899 vendette l’azienda a George Eastman di Kodak per 750.000 dollari, ottenendo una notevole indipendenza economica. Con i proventi acquistò una villa a Yonkers, dove allestì un laboratorio privato. Vincolato da un accordo a non lavorare più nel settore fotografico, si dedicò alla ricerca in elettrochimica e collaborò con la Hooker Chemical Company per migliorare il processo cloro-alcali. 

    La sua svolta arrivò nel 1907, quando inventò la bachelite, la prima plastica sintetica termoindurente, ottenuta dalla reazione tra fenolo e formaldeide. Questo materiale, resistente al calore e agli agenti chimici, fu utilizzato in numerosi settori, dagli isolanti elettrici agli oggetti di uso quotidiano. Baekeland brevettò il processo nel 1909 e fondò la General Bakelite Company nel 1910. Nel 1922, la sua azienda fu fusa con altre due per formare la Bakelite Corporation. Ricevette numerosi riconoscimenti, tra cui la Medaglia Perkin e la Medaglia Franklin, e fu eletto membro della National Academy of Sciences. Negli ultimi anni si ritirò a Coconut Grove, Florida, dove cercò di creare un giardino tropicale. Morì nel 1944 a Beacon, New York, e fu sepolto nel cimitero di Sleepy Hollow. La sua invenzione segnò l’inizio dell’era della plastica, con oltre 15.000 prodotti realizzati in bachelite al momento della sua morte.

GIOVAMBATTISTA MORGAGNI (1682-1771)

 

    Giovanni Battista Morgagni, nato a Forlì nel 1682 e morto a Padova nel 1771, è considerato il fondatore dell’anatomia patologica moderna. Orfano di padre a sette anni, fu educato dalla madre che gli insegnò il latino e lo avviò agli studi umanistici. A 14 anni entrò nell’Accademia dei Filergiti di Forlì, dove studiò matematica, archeologia e astronomia. A 16 anni si iscrisse all’Università di Bologna per studiare medicina, seguendo le lezioni di Ippolito Albertini e Antonio Maria Valsalva, erede scientifico di Marcello Malpighi. Morgagni non inventò il metodo anatomo-clinico, ma lo perfezionò e sistematizzò, raccogliendo osservazioni cliniche e autoptiche in un diario che mantenne per tutta la vita. Laureatosi nel 1701, collaborò con Valsalva all’ospedale di Santa Maria della Morte e contribuì alla stesura del De aure humana tractatus. Nel 1704 divenne presidente dell’Accademia degli Inquieti, dove promosse l’indagine sperimentale. Nel 1706 pubblicò gli Adversaria anatomica, che gli valsero fama internazionale. Dopo contrasti con Giovanni Girolamo Sbaraglia, si trasferì a Venezia, dove frequentò ambienti scientifici e collaborò con Zanichelli e Santorini. 

    Nel 1711 ottenne la cattedra di medicina teorica a Padova, grazie all’intercessione di Giovanni Maria Lancisi e Lorenzo Tiepolo. Nel 1712 sposò Paola Vergeri, ottenendo la nobiltà romana per poterla sposare. Ebbero numerosi figli, tra cui Fabrizio e Agostino. Nel 1715 ricevette la cattedra di anatomia, succedendo a Molinetto. La sua orazione inaugurale sottolineò l’importanza dell’anatomia per comprendere la malattia. Fu membro di prestigiose accademie europee e nel 1761 pubblicò la sua opera più importante, De sedibus et causis morborum per anatomen indagatis, che stabilì la correlazione tra lesioni anatomiche e sintomi clinici, segnando l’inizio della patologia d’organo e il superamento dell’umoralismo. Descrisse per primo la cirrosi epatica e numerose strutture anatomiche che portano il suo nome, come il ventricolo di Morgagni e l’idatide di Morgagni. Morì nel 1771 a Padova e fu sepolto nella Chiesa di San Massimo. La sua biblioteca di 5.000 volumi fu acquistata dall’Università di Padova. Morgagni fu anche latinista, botanico, archeologo e storico, e la sua eredità scientifica è celebrata in numerose istituzioni italiane che portano il suo nome.

SAN GIUSEPPE MOSCATI (1880-1927)

 

    Giuseppe Moscati nacque a Benevento nel 1880 e divenne uno dei medici italiani più noti per l’impegno sanitario, la ricerca scientifica e la carità verso i poveri. Laureatosi con lode nel 1903, svolse l’attività clinica e di laboratorio agli Ospedali Riuniti degli Incurabili di Napoli dove si distinse per studi di chimica fisiologica e clinica, ricerche sul metabolismo del glicogeno, metodiche per la determinazione del sangue nelle nefriti e contributi alla diagnostica biochimica. Fu tra i primi in Italia ad adottare l’insulina per il trattamento del diabete e promosse misure igienico-sanitarie in occasione di epidemie come il colera, partecipando anche ai soccorsi dopo l’eruzione del Vesuvio del 1906. La sua pratica medica univa rigore scientifico e profonda spiritualità; considerava la professione medica una chiamata e il malato una presenza di Cristo, offrendosi spesso in forma gratuita ai bisognosi, sovvenzionando cure e provvedendo personalmente alla distribuzione di alimenti e latte ai poveri. 

    Nato in una famiglia di rango, scelse uno stile di vita austero, praticò la castità e dedicò molte energie all’assistenza dei più poveri evitando incarichi che lo allontanassero dall’attività ospedaliera. Durante la prima guerra mondiale prestò servizio per assistere i militari e continuò a pubblicare lavori scientifici su riviste nazionali e internazionali. Morì a Napoli il 12 aprile 1927 per un infarto. Dopo la morte la sua fama di santità crebbe rapidamente; la Chiesa cattolica avviò il processo di beatificazione e riconobbe miracoli che condussero alla beatificazione nel 1975 e alla canonizzazione nel 1987. Le sue spoglie sono custodite nella chiesa del Gesù Nuovo a Napoli e la sua figura è ricordata per l’integrazione autentica tra scienza, umanità e fede, con numerose associazioni, scuole e istituzioni che portano il suo nome e ne diffondono l’esempio di servizio disinteressato.

EROI DI GUERRA: CAPORALE WOJTEC (1942-1963)

 

    Wojtek fu un orso bruno siriano nato nel 1942 nei pressi di Hamadan, in Persia, e adottato nello stesso anno da soldati polacchi del II Corpo che si trovavano in Medio Oriente durante la Seconda guerra mondiale. L’animale venne acquistato da un ragazzo persiano e ceduto ai militari, che lo allevarono come mascotte nutrendolo con latte condensato. Crebbe rapidamente e fu integrato nella vita quotidiana del reparto, imparando a bere birra, fumare sigarette e giocare con gli uomini. Per poterlo trasportare ufficialmente con l’unità, Wojtek fu arruolato come soldato con grado e numero di matricola, registrato come parte della 22ª Compagnia di Rifornimento Artiglieria del II Corpo polacco. Durante la campagna d’Italia nel 1944 partecipò alla battaglia di Montecassino, dove fu impiegato nel trasporto di casse di munizioni, caricandole e scaricandole insieme ai soldati. L’impresa fu immortalata nello stemma della compagnia, che raffigurava un orso con un proiettile d’artiglieria. Dopo la fine della guerra Wojtek seguì il corpo polacco in Scozia, accolto con curiosità dalla popolazione locale. Nel 1947, con lo scioglimento dell’unità, fu trasferito allo zoo di Edimburgo, dove visse fino alla morte avvenuta il 2 dicembre 1963 all’età di ventuno anni. 

    Durante la permanenza allo zoo ricevette visite da ex commilitoni e veterani che lo riconoscevano e lo salutavano, e rimase una figura popolare presso i visitatori. La sua storia fu documentata e divenne simbolo della partecipazione polacca alla guerra, con articoli, libri e documentari che ne raccontarono le vicende. Wojtek fu ricordato attraverso monumenti e statue erette in diverse città, tra cui Edimburgo, Londra, Cracovia e Duns, che celebrano il legame tra l’orso e i soldati polacchi. La sua vicenda fu oggetto di studi storici e ricostruzioni iconografiche, e il nome Wojtek rimase associato alla memoria collettiva della campagna d’Italia. La figura dell’orso soldato fu utilizzata come elemento di propaganda, e la sua immagine continua a essere riprodotta in pubblicazioni e commemorazioni ufficiali. La documentazione storica conferma che Wojtek fu effettivamente arruolato e ricevette uno status militare. Molte le testimonianze di soldati e ufficiali che ne descrissero il comportamento e le abitudini. Wojtek rimase fino alla fine un’attrazione dello zoo di Edimburgo, noto per la sua abitudine di salutare i visitatori e per l’interazione con gli ex soldati. La sua morte fu riportata dalla stampa locale e suscitò grande commozione. 

ZOG I : RE D'ALBANIA (1895-1961)

 

    Ahmet Lekë Bej Zog nacque l’8 ottobre 1895 nel castello di Burgajet, nel distretto di Mat, da Xhemal Pasha Zogolli e Sadije Toptani. La famiglia, di nobiltà tribale e feudale, aveva ottenuto titoli dall’Impero ottomano e vantava legami con il casato degli Skanderbeg. Educato al liceo imperiale di Galatasaray a Costantinopoli, entrò nell’esercito austro-ungarico come colonnello, rientrando in Albania nel 1919 dopo la dissoluzione dell’Impero. Succedette al padre come bey di Mat e capo del clan Gheg. Nel 1920 fu ministro dell’interno e governatore di Scutari, poi comandante in capo delle forze armate. Nel 1922 divenne primo ministro, carica che mantenne fino al 1924, quando una rivolta guidata da Fan Noli lo costrinse all’esilio. Con l’appoggio italiano e di reparti zaristi rientrò nello stesso anno, consolidando il potere. Il 21 gennaio 1925 fu eletto presidente della Repubblica Albanese, assumendo la carica il 1º febbraio. Durante la presidenza introdusse riforme sociali e amministrative, abolì gradualmente la servitù e rafforzò i rapporti con l’Italia, che fornì prestiti e influenza sulle finanze. Il 1º settembre 1928 si proclamò Re degli Albanesi con il nome di Zog I Scanderbeg III, istituendo una monarchia costituzionale. Creò una polizia centrale, introdusse un saluto ufficiale e attribuì titoli regali ai familiari. 

    La madre fu dichiarata Regina Madre, le sorelle principesse e il fratello principe. Consolidò il sistema educativo nazionale e istituì una moneta cartacea sostenuta da riserve d’oro e pietre preziose. Nel 1931 sopravvisse a un attentato a Vienna. Negli anni Trenta l’Albania divenne sempre più dipendente dall’Italia, soprattutto durante la Grande depressione. Il 27 aprile 1938 sposò la contessa Géraldine Apponyi de Nagyappony, dalla quale ebbe un figlio, Leka, nato il 5 aprile 1939. Due giorni dopo, il 7 aprile, l’Italia invase l’Albania e Vittorio Emanuele III assunse il titolo di Re d’Albania. Zog e la famiglia fuggirono in esilio, soggiornando in Grecia, Turchia, Gran Bretagna, Egitto e infine Francia. Nel 1951 acquistò la residenza Knollwood a Long Island, che vendette nel 1955. Visse poi in Costa Azzurra, in ristrettezze economiche. Morì il 9 aprile 1961 a Suresnes e fu sepolto a Thiais, fino al trasferimento dei resti nel 2012 al Mausoleo della famiglia reale a Tirana. Durante la guerra la resistenza realista ebbe scarso successo e il Paese entrò nella sfera sovietica con il regime comunista di Enver Hoxha. Zog continuò dall’esilio a rivendicare il trono fino alla morte. Nel 1997 il figlio Leka promosse un referendum per la restaurazione monarchica, che vide prevalere la repubblica.

USO MILITARE DEI DIRIGIBILI ITALIANI DURANTE LA GUERRA ITALO-TURCA (1911-1912)

 

    I dirigibili italiani P2 e P3 furono impiegati nella guerra italo‑turca (1911‑1912) per ricognizione, bombardamento e rilievi fotografici; i due semirigidi effettuarono complessivamente 128 missioni e realizzarono un rilievo fotografico di Tripoli composto da circa 500 immagini. Nel corso del conflitto la Sezione Aerostatica italiana inviò in Libia dirigibili semirigidi del tipo indicato come P.2 e P.3, che furono sgonfiati, smontati e imbarcati a Napoli sul piroscafo Toscana per essere trasferiti a Tripoli dove era in costruzione un aeroscalo con due aviorimesse; durante il trasferimento e i lavori di allestimento una violenta libecciata del 16 dicembre 1911 distrusse gli hangar in costruzione e danneggiò gli involucri, ma le riparazioni furono eseguite e i mezzi poterono effettuare ascensioni di prova. I dirigibili impiegati furono utilizzati in operazioni di esplorazione, ricognizione fotografica e bombardamento; il personale che li armò e li condusse era composto da elementi misti della Marina e dell’Esercito, con coordinamento operativo che permise l’impiego a supporto delle operazioni terrestri italiane in Cirenaica e Tripolitania. 

    Durante il periodo operativo i P.2 e P.3 completarono un totale di 128 missioni complessive; tra le attività svolte figurano ricognizioni aeree per individuare posizioni nemiche, osservazione dei movimenti delle truppe ottomane, guida dell’artiglieria e lanci di bombe leggere su obiettivi terrestri; le ascensioni venivano condotte cercando di mantenere i dirigibili al di fuori del raggio efficace del fuoco nemico, operazione che risultò generalmente possibile grazie all’altitudine e alla mobilità degli aerostati. I dirigibili eseguirono anche rilievi fotografici sistematici: fu realizzato un rilievo di Tripoli in scala 1:2000 composto da circa 500 fotografie formato 13×18 che coprivano un’area di circa 11 km², impiego che fornì mappe e informazioni cartografiche utili per le operazioni di sbarco e per la pianificazione delle azioni terrestri. L’impiego dei dirigibili nella guerra italo‑turca rappresentò la prima applicazione bellica sistematica di aerostati da parte delle forze armate italiane; oltre ai semirigidi P.2 e P.3, le forze italiane disponevano di altri aerostati di dimensioni variabili (modelli P, M e Parseval 17) che furono impiegati in funzione di supporto e ricognizione durante il conflitto, contribuendo all’evoluzione delle tecniche di guerra aerea e alla successiva organizzazione dell’aviazione militare italiana.

STORIA DEL TRANSATLANTICO "CONTE BIANCAMANO"

 

    Il transatlantico Conte Biancamano fu costruito nel 1925 nei cantieri William Beardmore and Company di Dalmuir, Scozia, per il Lloyd Sabaudo e battezzato in onore di Umberto I; varato il 23 aprile 1925, fu consegnato il 7 novembre e compì il primo viaggio di linea il 20 novembre 1925 sulla rotta Genova–Napoli–New York. Progettato come nave passeggeri di lusso per la migrazione e il traffico transatlantico, era considerato all’epoca una delle più grandi e moderne unità italiane, con registrazione a Genova e iscrizione al Registro RINA numero 1910; l’identificativo radio iniziale fu NJVE, poi IBCI in anni successivi. Durante la sua carriera civile operò per il Lloyd Sabaudo (1925–1932), per le compagnie riunite Italia di Navigazione e Flotte Riunite in vari periodi e per il Lloyd Triestino (1937–1940), svolgendo anche servizi verso il Sud America e l’Estremo Oriente. Nel corso della Seconda guerra mondiale la nave fu catturata e requisita dagli Stati Uniti: entrata in servizio nella US Navy come trasporto truppe con la matricola AP‑54 e ribattezzata USS Hermitage, fu impiegata intensamente dal 1942 al 1947 per il trasporto di militari alleati attraverso l’Atlantico e altre rotte operative. 

    Al termine del servizio militare la nave fu restituita all’Italia nel 1947 e riassunse il nome Conte Biancamano, riprendendo attività di linea civile sotto la gestione di società di navigazione italiane fino agli anni Cinquanta; subì un ammodernamento nel 1948. Negli anni successivi la sua proprietà e gestione passarono più volte tra società italiane e, dopo il progressivo declino del traffico passeggeri d’epoca, la nave fu disarmata e avviata alla demolizione a La Spezia; lo smantellamento portò al recupero di elementi significativi dell’allestimento, tra cui il ponte di comando con strumentazione e la sala da ballo della prima classe, che furono acquisiti e ricostruiti nel Museo Nazionale della Scienza e della Tecnologia di Milano dove costituiscono oggi una testimonianza storica dell’unità. Tra le informazioni tecniche e amministrative registrate figurano il numero IMO 5606334 e l’uso di diversi codici di chiamata radio nel corso della vita operativa; la nave è ricordata come una delle grandi unità passeggeri italiane del primo Novecento e come l’unico transatlantico originale in Italia di cui siano conservati elementi strutturali e arredi musealizzati.

STORIA DEI TRENI ARMATI ITALIANI (1915-1945)

 

    I treni armati della Regia Marina furono convogli ferroviari corazzati e armati impiegati nella difesa costiera durante la Prima e la Seconda guerra mondiale, concepiti per portare sul terreno cannoni navali adattati all’uso ferroviario e fornire fuoco di controbatteria, antinave e antiaereo lungo l’Adriatico e le coste tirreniche. Nati nel 1915 a La Spezia, i primi convogli adottarono carri pianale tipo POZ rinforzati per ospitare pezzi da 120/45 e 152/40 su affusti a piattaforma con scudi tipo “Ammiragliato”; i carri erano dotati di martinetti manuali per stabilizzare l’arma sulla massicciata e non erano blindati. Ogni treno operava su settori di copertura di circa 60 km, stazionando in punti centrali o in galleria per ridurre i tempi d’intervento; la circolazione veniva bloccata all’alba per garantire un binario libero e consentire rapidi spostamenti. 

    L’organizzazione prevedeva treni operativi e logistici accoppiati: il primo portava 3–5 carri arma, portamunizioni e carro comando con telemetro e tavolo previsore, il secondo carrozze alloggio, cucina, officina e depositi. In azione nella Grande Guerra, i treni armati ottennero successi nel contrasto a bombardamenti navali e attacchi di motosiluranti e idrovolanti. Nel secondo conflitto lo sviluppo introdusse torri corazzate per i 120 mm e vari tipi di allestimento (pezzi da 152, 120, 102 e 76 mm), nonché treni specializzati antiaerei; nel 1939 furono mobilitati gruppi MARIMOBIL con basi a Genova/La Spezia e Palermo/Taranto. Dislocati lungo la Liguria, la Sicilia e altre coste, parteciparono alle azioni contro la Francia nel 1940 ma, con il dominio aereo alleato, persero efficacia e molti convogli furono fatti saltare o catturati e smantellati nel 1943, le torri riutilizzate in postazioni fisse sulla Linea Gotica.